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Channel: La Cabina del Paradiso
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Si no saben quien soy…lea mi biografía que para eso está.

Si me ubica y dice ”este w*ón..escribiendo…saaaa” y no cree que soy yo el que esta detrás de estas palabras…si créame soy yo, que ahora me decidí a dejarlas por escrito y no que se las lleve el viento.

Ahora los que me conocen bien saben que me gusta hablar de música y cine.. y algunos de ellos me instaron a crear este blog, para que como dije anteriormente, todo lo que digo no se lo lleve el viento.

Gracias por ese empujón que necesitaba.
Gracias Leo, Guicelle, Gustavo, Pipe, Carla, Karen. 


Ahora de que se trata esto. 

Aquí importan las historias de vida, los sentimientos, recuerdos emociones experiencias. Importan las anécdotas, lecciones y recuerdos que la pantalla grande nos genera.
Y bueno si mis palabras de alguna forma les sirven para elegir una película, ver o no alguna en especial, significara que mis palabras al menos interesaron y sirvieron de algo.

Una mirada que valla mas allá de lo superficial. Que sea una mirada que busque en los detalles, algo de lo que se pueda comentar.

¿Criticar?

No se si sea el termino correcto. Bueno si. Una parte de este espacio es critica. Es mas. Pero mas me gustaría mas hablar de “comentar“. 

Comentar vivencias, experiencias, sentimientos, emociones, recuerdos. Todo lo que nos pueda llegar a evocar el séptimo arte.

Aunque criticar no esta mal.
Es lamentable que nos hayamos vuelto tan poco críticos con todo. 

Aceptamos los libros, las películas, las canciones que vienen, como si nos hicieran favores, cuando estamos en un momento cultural lamentable, triste, sórdido, del que no me imagino cómo mierda saldremos.

Este es un espacio libre. Siéntase en el derecho de comentar como quiera, siempre que se con buenas palabras y con respeto.

¿Criticas?. 
Pero obvio, siempre que estas sean con el fin de mejorar este espacio.

¿Sugerencias?. 
Si, por favor. Lo que sea. Todo será bienvenido


Siéntase libre de recomendar o publicitar este espacio como usted quiera y por el medio que usted encuentre mas adecuado.

Ahora si usted, si usted que esta leyendo, quiere sugerir la "critica" de algún film o incluso si usted quiere "criticar" la película y después publicar en este humilde espacio, me sentiré orgulloso de ello.

Avíseme por correo o dm en Twitter y nos coordinamos.

Eso por ahora.
Un saludo a todos y espero que les guste. 

Tratare de actualizar constantemente.


Cristián Santander A.
@csantandera

[CINE] CINEMA PARADISO (1888)

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Partimos con el blog y para inaugurar este espacio, la obra que quizás ilustra la manera mas hermosa de amar al septimo arte.

Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore.




Nuovo Cinema Paradiso (Titulo Original)
(1988)
(Estreno en USA 1990)


Director: Giuseppe Tornatore.
Escritores: Giuseppe Tornatore (Historia), Giuseppe Tornatore (Guión).
Elenco Principal: Philippe Noiret, Enzo Cannavale and Antonella Attili.


Principales Premios 
  • Oscar a la mejor película de habla no inglesa (1990)
  • Globo de Oro en la misma categoría (1990)
  • Premio especial del jurado del Festival de Cine de Cannes (1990)
  • Premio Bafta a la mejor película de habla no inglesa
  • Philippe Noiret ganó los premios Bafta y European Film Award al mejor actor (1991)
Como han pasado muchos años desde la primera vez que la vi, decidí que era un buen momento para volver atrás, acordarme de ella y darle el honor de inaugurar este espacio. 
Quiero utilizar el termino “soportar” al referirme a este film. ¿por qué?. No estoy queriendo decir ni sugerir que el film me haya parecido malo, o aburrido. Cuando uso ese termino me refiero a que otra vez tendría que reprimir las enormes ganas de llorar que me entran cuando veo esta película, sobre todo en su recta final. 

Cualquier cinéfilo que se precie de serlo se habrá dejado enamorar en todos los aspectos por una de las más grandes obras maestras del Cine de los últimos 30 años.

El enorme amor que la película dirigida Giuseppe Tornatore demuestra hacía el Séptimo Arte, es a todas luces, uno de los más grandes homenajes hacia el Cine que se hayan hecho jamás. 


He dicho. Notifíquese, archívese, publíquese.


TRAILER ORIGINAL

TRAILER EN ESPAÑOL (de España)

Mi cariño hacia la película va más allá, ya que trae a mi memoria el antiguo cine “REX” ya desaparecido cine de mi ciudad (San Antonio, Chile). Ver lo que acontece en la cabina del Paradiso, me trae unos recuerdos emocionantes e imborrables a mi memoria sobre todo por lo intimo que era ese cine, por la pasión con la que la gente de ahí trabajaba y finalmente por que “mi primera vez” frente a la pantalla grande ocurrió ahí, junto a mis padres a la edad de 10 años. 

¿El mejor paseo que he hecho con ambos en mi vida?. 

No creo, pero si importantísimo para despertar una pasión por el séptimo arte que creo que llevare hasta el día en que muera. Estos recuerdos no deberían influir al criticar una película que sin necesidad de que me recuerde una época de mi vida, la considero perfecta de principio a fin.
Supongo que a estas alturas el argumento de la película muchos lo conocen, incluso los que aún no la han visto. 


A modo de flashback un hombre recuerda su infancia y juventud en un pequeño pueblo italiano en el que llegó a trabajar en la cabina del cine, forjándose una amistad inquebrantable con operador de la misma, Alfredo, un ser solitario y entrañable que tratará a Totó (así se llama nuestro protagonista) como si fuera el hijo que nunca tuvo. 

Pasarán los años y con ellos la vida, el cine y la vida, el amor, el cine y el amor…



Y es que si hay algo en esta película que está muy bien retratado y mostrado es el paso del tiempo. Tres épocas totalmente distintas en un mismo lugar. Cuando nuestro protagonista es un niño, llena de momentos cómicos muy típicos del cine italiano y desprendiendo una alegría por vivir radiante y contagiosa. Cuando nuestro protagonista es un adolescente y las primeras gotas de amargura vienen cuando se enamora por primera vez. Y evidentemente cuando nuestro protagonista es un adulto y de vuelta a ese pueblo tan importante para él, descubre que el tiempo no perdona a nadie y que nuestro fin es irremediable, como el mismo que sufre el Cine Paradiso.

Tres partes muy bien diferenciadas e inteligentemente intercaladas con algunos planos del protagonista recordando.


Tornatore dirige con la sensibilidad de un maestro, y sobre todo teniendo un esmerado cuidado y sintiendo un enorme respeto y amor por el Cine, al que no se cansa de homenajear durante toda la película ya sea mediante la profesión misma de proyeccionista, o mediante escenas de películas clásicas, reconocibles para todo cinéfilo, en la pantalla del cine.



También se permite el grandioso lujo de filmar las reacciones de un público muy distinto entre sí, un público profundamente emocionado cuando no había otra cosa para distraerse más que una sala de cine. memorable es ver reír a la gente en una proyección de Chaplin o verlos llorar en un dramón, mientras alguno del público recita las frases del diálogo porque ya se ha visto la película varias veces, y aún así sigue llorando.

¿La magia del Cine?
Si. 
Con todas sus letras

La figura del censor tiene también un papel muy especial en esta película. Aquí viene personificada en un cura(historia conocida, parece) que se ve las películas antes de estrenarlas y “sugiere” que todos los besos que salgan en pantalla se corten ya que los considera “pornográficos”.

Sublime y a la vez “exquisita” es la reacción del público cuando eso no sucede por vez primera.
Aquél momento en el que Alfredo resuelve el problema de que no toda la gente puede ver la película porque la sala está a tope, es, sin dudarlo, uno de los más grandes de toda la Historia del Cine, porque, una vez más, la magia vuelve a hacer efecto, y esta vez desde la propia cabina de proyección.

*ME ABSTUVE DE COLOCAR IMAGEN DE ESA ESCENA.TIENE QUE VERLA CON SUS PROPIOS OJOS*

Y los actores se preguntara usted. ¿Algo hicieron? ¿O la historia y el guión están tan bien escritos que la historia saldría bien hasta con figuras de plastilina como actores?.



No pues. 
Los actores están todos fantásticos. Desde Philippe Noiret. en el que probablemente sea el papel más famoso de su carrera, pasando por un expresivo Salvatore Cascio, que interpreta a Totó niño, y terminando en Jacques Perrin que interpreta a Totó adulto.

Todos ellos bailan de forma prodigiosa por el film.
¿Porque?.
Esta película no sería la misma sin la grandísima banda sonora compuesta por Ennio Morricone, salvo el ‘Love Theme’ que está compuesto por su hijo Andrea.
Por cierto, es imperdonable que Morricone solo tenga un Oscar “honorifico” (2008) y haya sido nominado muy pocas veces. Algunas veces la Academia la caga y con ganas.


EL GENIO. ENNIO MORRICONE

Hay una frase que para mí resume toda la película de forma increíble. En un momento dado el personaje de Noiret le dice a Totó adolescente:

“Hagas lo que hagas ámalo, como amabas la cabina del Paradiso”.


Basándome en esas palabras que toman forma en la magistral secuencia final, pudo llegar a decir que si se considera humano, habrá derramado unas lágrimas.
Es el único final posible.

¿Cómo se expresa más fácilmente el amor?. 
Con un beso.


¿Qué le inculca Alfredo a Totó durante toda su vida y qué le regala?. Amor.



Pocas veces el amor y unos besos tuvieron tanto significado en una película.




Finalmente, para terminar.

Personalmente son pocas las películas en la historia del cine así, en donde desde el guion, la idea original, los actores, la música, la fotografía, dirección de arte…todo se compenetren de tal manera y en donde se exprese mejor el amor en todos los sentidos.
Sin duda es el mejor homenaje posible al séptimo arte como tal. Maravillosos actores y maravillosa musica.
Por otro lado la profunda nostalgia que envuelve todo el film no te deja indiferente. Poco me importo (esta vez) que su director, equipo técnico (excluyendo a Morricone) y algunos de sus actores no hayan tenido ningún otro éxito.

El cine son historias, y cada historia tiene tras de si un mundo. Si eso te llena y le llega al espectador. Misión cumplida.

¿RECOMENDABLE?
15/10

Si no la ha visto. Véala. Solo o acompañado. Eso lo dejo a su gusto.
Por favor busque o descargue la banda sonora (OST). Sus oídos se lo agradecerán por el resto de su vida.
Aqui un adelanto.


Se acordara de esta columna y encontrara una de las causas de mi incurable “cinefilia”
Espero no haber sido muy latero o aburrido. Si fue así, no tenga miedo en decirlo. 
(En este blog no existe el cura "censor", jeje)

Nos leemos pronto
No se olviden comentar

Saludos!!


Cristian Santander A.
@csantandera (Twitter)

[CINE] MAGNOLIA (1999)

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Seguimos desde la cabina del Paradiso…

Antes de seguir quiero agradecer por las buena recepción que tuvo este espacio. A la gente que posteo y a los saludos vía Facebook. Gracias por sus comentarios y cualquier sugerencia será muy, pero muy bienvenida.

Para no seguir haciendo esperar a mi querido publico vamos con una película para mi digna de ser incluida dentro de los mejores films de la historia del cine y a su director dentro del “olimpo” de los “cineastas”.(Ojo, que no dije directores. Mas delante sabrán el porque.)

"Magnolia" de Paul Thomas Anderson.




Director: Paul Thomas Anderson
Historia y guion original: Paul Thomas Anderson

Reparto:
John C. Reilly… (Officer Jim Kurring)
Ricky Jay (Burt Ramsey / Narrator)


Premios y Nominaciones

2000 Premios Oscar (Academy Awards USA)
Nominada Oscar a la mejor canciónAimee Mann, por la canción "Save Me".

2000 Globos de Oro (USA)
Ganador, Globo de Oro al Mejor actor secundario: Tom Cruise.
Nominada, Globo de Oro a la mejor canción: Aimee Mann, por la canción "Save Me".

Ganador, Oso de Oro: Paul Thomas Anderson.

2000 Festival Internacional de cine de San Sebastián (España)
Ganador premio FIPRESCI a película del año.


FUENTE: IMDB.COM

Bastante premiada como ven.

Bueno, vamos con el comentario.
Generalmente tiendo a clasificar las películas que veo, las que en una de esas veo y las que no veré ni que me paguen según los directores de cada una y en segundo lugar (no siempre)en el reparto de cada una. Coincidirán conmigo en que algunas películas con solo ver el afiche o el director a cargo, uno sale corriendo del cine.

Aquí quiero hacer un ejercicio bien entretenido, con el fin de explicar para mi gusto la trascendencia de la película y de su director.
Las enciclopedias de arte generalmente nombran o clasifican a los artistas mas grandes o genios. Después a los importantes pero no grandes ni genios. Finalmente a los que son solo digno de mención o que contribuyeron en menor cuantía al arte que los otros 2 grupos.

Bueno.

Si hiciéramos un paralelo con la historia del cine, tendríamos a los grandes directores de la historia ósea hablaríamos de Francis Ford Coppola, Terrence Malick, Stanley Kubrik,Roman Polanski, Martin Scorsese.
En el segundo grupo a los importantes pero no genios. A mi gusto gente grande como John Carpenter, Clint Eastwood o Woody Allen.
Finalmente a directores dignos de mención, “contribuyentes” con su estilo particular a la historia del cine como David Fincher, Alan Parker o Michael Mann

*Ranking creado con los nombres que se me vinieron a la mente. Claramente se me quedan algunos en tintero o el lector no estará de acuerdo en el lugar donde situé a algún director en particular *

Bueno, bueno. ¿Pero donde diablos encajonamos al señor P.T. Anderson?
Claramente en el primer grupo.

¿En el primer grupo?
Si. Leyó bien. En el primer grupo.


A continuación mis razones.

Este film lo situó entre de los directores más importantes de su generación, con tan solo, con veintinueve años. Si solo 29 años.

Revisando datos para incluir en este cometario me encuentro con algo que no había me había fijado antes.
1999.
Nos encontramos con un año con producciones de muy elevado nivel. Fíjense. ‘El sexto sentido’ (M. Night Shyamalan), ‘Hoy empieza todo’(Bertrand Tavernier), ‘American Beauty’(Sam Mendes), ‘Una historia verdadera’(David Lynch), ‘El club de la pelea (David Fincher).

Todas estas películas coinciden cronológicamente con Magnolia y también podrían disputarle fácilmente el cetro a película del año, pero….
¿Donde esta la diferencia que marca esta ultima con respeto a las otras?
¿Que la hace ser “la mejor del año” según mi parecer?

Según mi parecer, P.T. Anderson logra con “Magnolia” no solamente ser mejor película norteamericana del año en que vio la luz , sino probablemente crea una de las más bellas, profundas, enigmáticas, singulares y poderosas películas norteamericanas en muchas décadas.


“Magnolia” es quizás uno de los mejores guiones narrativos que se han escrito jamás, uno de los más asombrosos repartos de intérpretes que se hayan visto en pantalla, una de las puestas en escena más audaces y valientes a las que cualquier director pueda aspirar, y una de las historias más ricas en matices y personajes, que por menos yo haya visto en pantalla.

Este comentario fílmico costo mucho más que el inicial.

La primera razón del retraso fue que tuve que ver la película nuevamente (una experiencia por la cual no reclamo en lo mas mínimo) ya que no recordaba el hilo conductor de algunas partes de la película, que tenían que ser comentadas.
La otra razón fue que quería hacer algo con contenido.
Quería contribuir en algo a que el film sea universalmente reconocido entre lo más hermoso y emocionante que se puede ver en una pantalla, y así por mi parte pueda formar parte de ella, aunque sólo sea dejando por escrito la admiración que ciento por ella.

¿Vio la película?
Si.
Ok. Siga leyendo y vea si concuerda con algo de los que digo.

Si no la vio, no se preocupe. A pesar de que hablare con detalle algunas escenas del film, la peli la podrá ver sin ningún problema. Trate de ser lo mas sutil  en ese sentido.

¿De que se trata entonces?

Rápidamente. El film narra unas pocas horas de vida de una serie de personajes que, sin saberlo, están profunda e inevitablemente ligados en sus, a veces trágicos, a menudo patéticos, destinos.



La historia comienza con un prólogo en el que se nos cuentan tres increíbles casualidades, narradas por Ricky Jay (que también encarnará al director del crucial concurso televisivo), casualidades que nada tienen que ver, temáticamente, con la historia que se nos va a contar, pero que establecen el tono tragicómico de ‘Magnolia’.

Llega el primer momento magistral de la película: la presentación de todos y cada uno de los personajes principales.

Seguiremos al presentador de un mítico concurso televisivo que acaba de enterarse de que se está muriendo, a un “gurú del sexo” que ayuda a los hombres a follarse a cualquier mujer que deseen por muy difícil que les parezca, a un policía lleno de buenas intenciones pero solitario y lleno también de complejos, a un moribundo al que le quedan pocas horas de vida, a la atractiva y caótica esposa de ese moribundo que debe afrontar el hecho de que va a perderle de forma inminente, al enfermero compasivo de ese moribundo, a pequeño que es la estrella del concurso televisivo antes nombrado y cuyo padre es un tipo insoportable (antiguo concursante de ese mismo programa) hombre maduro cuya vida es gris y solitaria con confusiones sexuales que le atormentan a cada momento , y finalmente a la hija del presentador del concurso, con una miserable existencia, solo soportable mediante el consumo de drogas y sexo desenfrenado con extraños. Una mescla bastante explosiva y peligrosa a la vez.




Ya.
Me inspire.
Y sigue.

Anderson tuvo libertad para hacer la película que él quisiera, y se encerró durante meses, alejándose de la vorágine de todo lo que estaba significando su segunda película, a escribir el que sería, según sus propias palabras, “uno de los cinco mejores guiones de todos los tiempos”. Afirmación apasionada e inocente que así debe ser tomada, más que como un acto de prepotencia, pues Anderson ama a todos y cada uno de sus imperfectos personajes, y ama el cine más allá de todo lo concebible, y ama su condición de “cineasta”, repito “cineasta”.

P.T. Anderson, entonces. ¿Director o cineasta ?

Los cineastas tiene la posibilidad/capacidad de escribir y dirigir el cine que lleva dentro. Los directores no generalmente.
Por eso P.T. Anderson debe, según mi parecer, ser considerado como cineasta. Un gran cineasta.


Aquí si que me quiero detener. 

Tom Cruise siempre me ha parecido un actor chato, sin chispa, de frentón malo, un invento de los estudio, pero que con buenos padrinos llego a ser uno de los actores mejor pagados de la industria.

¿No será que fue dirigido solo por malos directores, y al tener a un director de nivel detrás de cámara demostró todo su talento?.
Porque el señor en esta película, se luce. Si… se luce.

Tom Cruise es Frank T. J. Mackey. Cruise está en el papel de su vida. Nunca se le vio mejor, ni antes ni después de este personaje. En ningún momento existe el menor fingimiento en su trabajo, viviendo la escena al límite.
Hay un momento en que, con su máscara de tipo duro resquebrajándose, la cámara aguanta con él durante varios minutos sin cortar el plano y con el mismo hacia los ojos de Cruise, vemos a un pedazo  actor, que nos hubiese encantado haber visto en sus trabajos anteriores.
Cruise pasa absolutamente por todos los estados de ánimo imaginables: la exaltación, la confianza, la furia, la duda, el arrepentimiento, la culpa, el odio, el amor.


Increíble.

Es injusto no citar a todos los actores, pues todos ellos están como jamás estuvieron anteriormente. Pero me quiero detener en 2 al menos.
Linda Partridge ( Julianne Moore, la actriz predilecta de Anderson, cuya secuencia de la farmacia me pone los pelos de punta) sufre una bestial culpabilidad por haberle sido infiel a su marido, ignorante de que él le ha sido infiel a ella también muchas veces, pero que a pesar de todo sigue amándola tanto como ella sigue amándole a él ahora que se está muriendo.





El niño concursante es capaz de perdonar una y otra vez al estúpido de su padre, aunque con eso no va a conseguir que le quiera y respete como merece, así que no le queda más remedio que perdonarse a sí mismo su debilidad y sus sentimientos.

Pedazo de guion, se llama eso. No hay como llamarlo de otra forma.

Pero es en los individuos realmente despreciables cuando Anderson e inspira. Me refiero al padre de Claudia, Jimmy Gator, interpretado de manera majestuosa por Philip Baker Hall, sobre el que pesa la sombra del abuso infantil, además de sus reiteradas infidelidades a su mujer genera un momento sublime cundo se derrumba definitivamente por la culpa y la pena.

La película entonces estallará en docenas de piezas que se comunicarán unos con otros durante tres horas y diez minutos de duración de la película (¡nada menos!) que claramente se hacen cortos.
Pasaremos por momentos tan “mágicos” que se nos informan de la humedad del aire y la probabilidad de lluvia…de ranas. Si de ranas.

Anderson deja libre su imaginación y propone la famosa lluvia de ranas, a la que tanta gente ha buscado un innecesario significado, más allá de la casualidad suprema, y de la necesidad de Anderson de subir aún más la intensidad, con la despedida silenciosa de Frank a su padre, el precio que debe pagar Donnie por su crimen, o la mirada alucinada de un niño solitario que parece apreciar cosas que nadie puede.

Con casi total seguridad, el techo de la carrera de Anderson, al menos de momento. Pero parece muy difícil que en un futuro vuelva a repetir algo de este calibre. Con su talento, no me parece descabellado esperarlo, pero ‘Magnolia’ se mantiene de momento como su obra magna, dentro de una carrera extraordinaria.


 P.T. Anderson

¿RECOMENDABLE.

¡¡¡No estuve casi 3 días escribiendo para una película que no recomendare.!!!
Recontrarecomendale.

Si no la ha visto véala. Pero ya!!!!. ¡¡¡Deje todo lo que este haciendo y partio a verla!!!
Si la ha visto. Véala de nuevo. Es como ver un álbum de fotos familiar, el cual siempre le provocara buenos recuerdos volverlo a ver. Lo mismo es con “Magnolia”


Creo que ‘Magnolia’ trata sobre perdonar. Perdonarse (algo mucho más difícil, complicado y doloroso…).Pero por sobretodo ser capaces de pedirle a otros que nos entiendan y que nos acepten en nuestra deforme humanidad.
Anderson crea la película de forma que se vaya construyendo un collage en el que la ordenación y la suma de los acontecimientos nos conduce a  la forma final de este collage: una imagen conmovedora e inolvidable, que se crea con un nivel de predestinación que nos parece normal que una rana en caída libre impida que un hombre se suicide de un disparo. Así de simple.


Ahhh.
La banda sonora.
La Srta. Amy Mann se vistio de doncella y creo una banda sonora que impresiona. 
Como dice mi dicho"detrás de toda gran película, hay siempre una gran banda sonora".


Aqui una muestra.


Amy Mann- Wise Up


Nos leemos la próxima semana.

Saludos cordiales,

Cristian Santander A.
@csantandera

[CINE] VELODROMO (2010)

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Un mundo interior que gira, gira y gira.

Hola nuevamente.
Gracias por las criticas y saludos de apoyo, comentarios (buenos y malos).
Les repito. Si quieren comentar aquí, al final del post, no hay problema. Es mas se sentiré agradecido.
Ahora si me quiere llamar, mandar un correo, hablar por Facebook.. también lo agradeceré.
Bueno.

Después de hablar de una obra para mostrarle a tus nietos como “Magnolia”, me surgió la duda interna…

¿Qué mierda comento ahora?
Estuve un día completo buscando en mi cabeza, en los ratos libres (tengo vida también.. aunque no lo crean) de que película hablar o comentar, hasta que dije.. ”como no me acorde de ella antes”
Los que han compartido en persona conmigo, también coincidirán en lo ultimo.. ”como este huevón no se acordó de ella antes.. si cada que se toca el tema cine… la recomienda”.
No se.
La temporada me tiene así yo creo. Mucho calor y acontecimientos personales a los cuales no estoy muy acostumbrado, que digamos. Eso debe ser.

Bueno al grano.

Hoy comentare (criticar a mi héroe literario…jamás) la segunda aventura cinematográfica de “mi escritor héroe”, la que es para mi es su mejor obra hasta ahora, con la cual este señor me genero un nivel de empatía con la historia, un nivel de identificación con el protagonista y finalmente una capacidad de revolverme las ideas dentro de mi cabeza.. que nunca.. repito nunca antes había sentido o me había generado con otro film.

Ya se darán cuenta por que. Quédense con eso por el momento.

Velódromo de Alberto Fuguet.






TRAILER OFICIAL

Cast.

Pablo Cerda ... Ariel Roth
Francisca Lewin ... Claudia Santa Ana
Andrés Velasco ... Carlos
Lalo Prieto... Danko
Lucy Cominetti... Javiera


Un poco de historia
Esta película es el segundo largometraje después de “Se Arrienda” y está estelarizada por el actor chileno Pablo Cerda.
Se arrienda, estrenada por allá en el 2005, fue protagonizado por diversos actores como el actual ministro de Cultura Luciano Cruz Coke, Felipe BraunBenjamín Vicuña, Francisca LewinNicol. Tuvo un estreno en grande y a pesar de ser una muy buena película a mi parecer, le llovieron las malas críticas y los pésimos comentarios.
Algunos justificados, pero no para matarla como lo hicieron.

Con “Velódromo”, Fuguet quiso hacer algo más “piola” recurriendo a un presupuesto un poco más corto y exhibiéndola en lugares menos masivos.
Tal como en su primera cinta, Fuguet opta por los personajes sin norte, cansados de su entorno, algo aburridos de sí mismos y anhelantes de algo que ni ellos mismos alcanzan a comprender.
Además fue innovador en cierto sentido, al ir contra la corriente; muchos directores se vuelcan por films que pecan de pretenciosos y que fallan en un punto clave: conmover al espectador.

Velódromo es la antítesis de ese cine. No solo se ríe de ciertos lugares comunes sino que además comprueba que es posible hacer películas sin manipulaciones baratas.
En si es un film hecho en viñetas (sino fíjense en los varios cortes que hay en las historias del mismo personaje) de forma sincera y modesta, mostrando el viaje de alguien llamado Ariel que dibuja su vida, no sin antes advertirnos que realmente no sabe "si hay mucha historia aquí".

Momento reflexivo.

Hay momentos en que el mundo (llámese amigos, padres o los huevones que te rodean) te dice que no estas avanzando, ni retrocediendo, que te has estancado, o vienes dando vueltas en círculos, sin “una meta clara”, sin un “objetivo a cumplir”, sin nada realmente “trascendente en el horizonte”.
Sea sincero.. ¿me esta pasando… me paso?

Una vida circular y repetitiva, que no necesariamente aburrida, como la de un ciclista recorriendo la pista de un velódromo: un ambiente controlado y una ruta conocida, moviéndose a velocidad automática, casi por inercia. Es nuestra zona segura, y de ahí es difícil salir, si es que sales.

¿Pero es que acaso es necesario salir de ahí?

Esa es la pregunta que se plantea Fuguet a través de Ariel, Ariel Roth.
Hay historias como las de Ariel Roth que se podrían contar en 15 minutos. Sobra un cortometraje, incluso hasta un clip pareciera suficiente. Fuguet lo hace en poco menos de dos hora y, de verdad, no sobra casi nada.



“Me cargan los prólogos, claro que para un prólogo necesitamos una historia y no sé si hay mucha aquí. Esto va a ser sobre mí. Bienvenidos a mi planeta”, dice Ariel al comienzo.

Ariel Rothes un diseñador treinteañero (como dice el mismo 34, tirado para los 35. Mal.) que no le pide mucho a la vida. Su pequeño mundo transcurre entre sus muy escasas amistades, su novia y su trabajo como diseñador freelance.

Pero todo cambia a  no mas comenzar la película.
Y de tener poco pasa a tener nada: su mejor amigo lo deja a un lado para casarse y construir una existencia "normal" y luego su novia Claudia (una atractiva chica que ya quisiéramos TODOS tener a nuestro lado) lo dejan por antisocial, mala influencia y poco emprendedor. Mal.

(Notable dialogo que entabla Ariel y Claudia previo al termino de la relación)
Sacado del guion original de la película. 

Claudia: Eres medio autista. Te quedai pegado tardes enteras en tu computador haciendo puras leseras. Ves películas de manera adictiva. Chateas. Me da lo mismo, pero tu laptop te importa más que no sé... tu pene.
Ariel: ahhh chucha..la wea es pegarle a Ariel entonces.

Mal.



Si hay algo que apasiona a Ariel es ver las películas que descarga desde su Macbook y recorrer Santiago en bicicleta. Cualquier oferta de trabajo que le llegue a la mesa es reducida a la mofa por el espíritu de rebelde sin causa de Ariel, quien vestido internamente como un Peter Pan del siglo XXI no quiere crecer.
Conduce onduladamente su bicicleta por las aceras santiaguinas con brío y sin un destino físico: la búsqueda de una cierta paz espiritual, el "vivir tranquilo".

Quizás el pequeño mundo que ha logrado armar no es muy grande, pero al menos gira.
Esa falta de hambre que los otros ven en él es justamente a lo que Ariel debe hacer frente, consecuencia de una presión social huevona en donde si no estás casado y tienes un buen trabajo antes de los 40 estás condenado al fracaso.




Personalmente me identifico mucho con Ariel.

No se por que. Será por lo de las películas, por la poca incomodidad a estar solo durante mucho tiempo, a la reticencia/pavor al compromiso, hijos, matrimonio, formar familia.
No se, pero una mezcla de ellas, seguro lo es.
Creo que por mucho de lo anterior es que estoy hablando de esta película. Muchas escenas , algunas casi calcadas, han ocurrido en mi vida, y otras ocurren muy amenudo como ver maratones de películas y series frente a una Macbook, pasar prolongados momentos del día en un mismo sitio, como Ariel en su departamento, o simplemente estar solo sin que nadie te huevee.

Personalmente me gusta la visión de vida de Ariel.

Hacer lo que te gusta, de la forma que te gusta, buscado finalmente que nadie te huevee.

Todos.
Todos hemos pasado por un momento de nuestras vidas en el que no queremos a nadie cerca, somos felices en solitario, en nuestro espacio, en nuestras cuatro paredes, puede ser una pieza o un departamento, da lo mismo el lugar, pero es tú lugar. Sólo queremos estar solos, sin familia, sin amigos, sin pareja. Un buen libro, una buena película nos harán compañía.

Por mi parte una sola conexión a internet que me acompañe y no necesito de nada mas. Nada malo hay en eso. Y no, no es que estés deprimido o enojado con el mundo, no es eso. Simplemente quieres estar solo en tu espacio, que no te molesten.

Estar tranquilo. Hacer lo que me gusta hacer. Disponer de mi tiempo. Que no me hueveen. Andar en mi bici pa `rriba y pa `bajo.

Otra muestra textual de lo que piensa, sin tapujos, Ariel, casi al finalizar el tercer acto.

Velodromo es hablar de Roth, él es la película.
Mientras pedalea, habla, nos habla y su voz en off es entrañable. De hecho, el Ariel en off quizás sea mejor persona que el Ariel en on; más sensato, más sensible, más tranquilo. Pero es el otro el que se lleva los puntos por una sencilla razón: es más real.

Ariel Roth, en on, tiene todas las malas costumbres masculinas; es egocéntrico, egoísta y un poco perezoso pero no miente, se faja con el mundo siendo absolutamente honesto y si bien no todo el mundo se lo banca, él prefiere decir su verdad y aguantar las consecuencias. ¿Cuántos pueden decir lo mismo?. Fuguet le tiene tanto cariño a su personaje que lo deja salirse con la suya aunque eso no sea lo mejor para la película.
Por eso que no a todos les gusta, puesto que Rothno cae bien de entrada, entonces la película tampoco lo hará.
Pero denle tiempo.
Les aseguro que Roth, al igual que película, se quedará con ustedes por lo menos un tiempo. Verlo pedalear, jugar con la bici, subir cerros, tomar curvas. El tipo disfruta, se disfruta a sí mismo. La sonrisa de oreja a oreja de Roth en el Velódromo no es casual. Va a toda velocidad y sonríe porque la hizo, está solo, pero está feliz. Puta que es difícil esa hueá. Por eso admiro y envidio en parte al personaje. Obviamente que no es llegar y hacerlo, pero sí se puede ser una isla.

No es ni mejor, ni peor que optar por la pareja estable y los hijos, no es ni más fácil ni más difícil, es simplemente otra opción y tener la opción siempre se agradece.

Su oficio de diseñador freelance lo obliga a codearse con todo tipo de personajes odiables, cancheros, extraños.
Snobs, artistas shúpers y empresarios freaks sólo puede soportarlos en función de conseguir llegar a fin de mes con relativa calma, pues de verdad lo que Ariel quiere es que lo dejen vivir tranquilo.
Esa gente que le provee de sus ingresos otorgan notables escenas; un altanero padre de familia que detesta a su hijo actor que trabaja como mozo; la velluda (asquerosa) actriz de teatro y el patético, engreído y pseudoalternativo director de cine que triunfa en Europa. 






Velódromo no tiene trampas. Hay un personaje humano. Ni más ni menos que lo que uno ve. Un personaje que disfruta lo que hace, aunque no sea lo que todos quieren hacer. Porque Ariel no quiere casarse ni tener hijos ni se preocupa demasiado por el futuro. La inmediatez la siente todos los días sobre esa bicicleta

Sus aparentes "reales amigos" son un gordo bonachón que no puede pronunciar la palabra "podcast", tiene un gimnasio de artes marciales y comparten la cinefilia. El otro, el primo rico que apenas adulto es dueño de empresas, con sus padres fallecidos, sin nada que hacer en la vida aparte de tonterías y cuyo único hobbie es enfiestarse y tener sexo casual.




Aquí hay que detenerse.
¿Porque Fuguet mete a un huevon así?.
Notaron el parecido a Matías Vicuña, el protagonista de su novela “Mala Onda”( si no la ha leído..partió).
Para mi ese personaje es simplemente una critica muy pilla, muy a lo Fuguet  todos los huevones sub 30 “adolecentes foreversss” tipo hermanos Copano, Nicolás López y toda esa mierda de huevones sobrevalorados, que se visten de negro, creen que se las saben todas pero finalmente poco es lo que tienen que mostrar.



La música juega un rol muy importante. Por los auriculares de Ariel sale de todo pero, lo mejor fue sin dudas la bella "Raindrops Keep Fallin´ on My Head", durante ese paseo en bicicleta. Con esos bellos momentos de Roth sobre su medio de transporte, Fuguet crea una oda a la libertad y al aquí y ahora sin ninguna meta o discurso mas allá del presente.

¿Se fijaron lo idealizada de la figura del velódromo por Ariel?.

Se convierte en su pequeño sueño urbano: el correr por la pista sin más preocupaciones en la cabeza. Sólo él y su bicicleta, sin necesidad siquiera de escoger un rumbo. Dejar que la fuerza de sus piernas lo lleven a algún lugar que él mismo no tiene claro, pero que tampoco parece interesarle mucho. El óvalo determina muchas cosas. En él te puedes jugar la vida, pero también entrega seguridad; seguridad de no tener que mirar atrás, de no preocuparse más por el tránsito, de que sólo hay un camino dentro. El saber mantenerse dentro es el refugio que tanto atrae a Ariel.



Ahora. Como Fuguet te mantiene pegado a una película de un huevon como Ariel.
¿Como hace Fuguet para que nos quedemos pegados sin cortar la película?.
La clave para mi son los monólogos interiores de Ariel.
Le dan la consistencia al film en momentos que ni siquiera una imagen podría darlo.


Alberto Fuguet

Otro "huevo de pascua" que hay que notar, de parte de Fuguet.
Me lo pregunte y finalmente me di cuenta que no hay respuesta.
¿Que mierda de películas ve Ariel?.
Se fijaron en eso. Solo se le ve viendo películas, los tiros de cámara siempre muestran a Ariel frente al Mac, pero lo que vemos nosotros es solo una manzana; se escuchan películas sonar, pero que cine sigue Ariel. Nunca se sabrá.
Es decir, como me gusta, se lo deja a la mente del espectador…
Pillo Fuguet. La cago.



El cine de Fuguet es un cine necesario, un cine honesto. Es un cine que pedalea.
Es un cine libre. Fuguet cree en las películas narrativas, que se mueven (como Ariel en su bicicleta), y sabe que hacer cine es también hablar de éste, y de ahí los memorables dardos al personaje del director que “triunfa” en Europa.

Ariel Roth siente que tiene serios problemas para conectar: con su entorno, con su familia, con las eventuales chicas con las que sale (o mas bien se acuesta), con su trabajo o con los contados amigos que aún frecuenta.
Es talentoso, pero cerrado dentro de sí. Puede ser muy capaz para desempeñar los proyectos que se enmarca, pero es posible que también se aburra, que se vire para adentro, que se pierda.
En el sentido metafórico y literal.
Él y sus audífonos. Él y su bicicleta, que la acompaña por los linderos más nostálgicos y austeros de Santiago.

¿Alguien podría culpar a la película por tener algunas lagunas, baches o incoherencias si ésta se trata de la historia de un tipo que vive solo y se rodea con gente de estas características?.
No sé. Dicen que a las películas redondas no les sobra nada. A Velódromo le sobran algunos minutos, otros se cortaron antes de tiempo.

Velódromo es distinto a la simplicidad que aparenta. A mi parecer afronta la vida moderna (soledad, apartamento, la existencia en torno al notebook), de cómo enfrentar el futuro sabiendo que eres un operador de algo perecedero (metiendo números en un computador, haciendo las portadas de los libros de escritores exitosos y un largo etc.) sabiendo que el éxito le llega a gente más joven que uno y, quizás, con menos talento que uno.

Que, en el fondo, ese éxito ya no te llegó.
Habla de los anhelos de la vida en familia, en pensar en algún momento en los hijos. En el pasado que vuelve y no de la mejor forma. En como la felicidad no siempre se trasunta en el ideal que hemos creado como sociedad (auto, casa, familia, hijos, vacaciones) y que, por mucho menos, un estilo de vida distinto al habitual sea despreciable.

¿Eres como Ariel Roth?



No estas para aguantar mierda de ninguno. Todos los que te rodean te tildarán de autista, de amargado, de enfermo.
Te refugias en tu apartamento, en tus películas, haces tu trabajo y sales en tu bicicleta. Todos piensan que eres raro. De entrada caes mal, te llaman petulante, creído, imbécil. Te da lo mismo.

Me encanto lo jugado de Fuguet con su personaje, aunque finalmente este le haga un poco de daño a la película.
Hay huevadas que a Ariel no le cuadran en su mundo. El momento en que le cuenta a su amiga con ventaja que la noche anterior acababa de “tirar” con su ex, contándole casi con lijo de detalle como había sido la experiencia. 


Se deja explicito que hay situaciones que a Ariel no le caben en su cabeza, y simplemente por su soledad y su falta de contacto con otros. De que cae mal, cae mal, pero a Fuguet no le interesa si cae bien o mal el protagonista, solo le interesa plantear que existe una opción diferente de vida, independiente si te gusta o no el personaje.

A la mierda con ir de un punto (A) a un punto (B) en tu vida. A pesar de ser un huevón pesado, y todo lo que se quiera, el protagonista tiene derecho a estar en el mundo según su forma y parecer, y no como la sociedad o el resto dice que debas ser.

¿Que mas valoro de Velódromo?

La manera de cómo se maneja con los espacios. Las escenas trascurren en living, en piezas de departamentos sombríos, terrazas pequeñas u otras que tratan de simular espacio y naturaleza al estar estas llenas de pantas y enredaderas.
Es decir sitios y situaciones que ocurren en ellas, en general, muy constreñidas.
Pero en otros momentos, se juega con sitios abiertos. La cuidad, a primeras horas del día, de madrugada, de tarde; en si simplemente representado libertad.
La forma en que nos manejamos en los diferentes espacios actuales, es digno de destacar, por la forma en que lo plantea Fuguet.
Estos espacios que menciono anteriormente son en los cuales se libra la vida actual, como se vive esta o mas bien de cómo te obligan a vivirla.

“La vida en 45m2, si pudiéramos poner algún nombre.

Además toca una fibra muy delicada. Muchos de la generación de Ariel viven en este tipo de espacios, viviendo una vida que estoy seguro, que muchos deprecian y aborrecen.
Pero seamos optimistas y quedémonos con la opción de Danko y su pareja, que quizás le saben sacar provecho a estos espacios. Es cosa de ver la escena final de la película. Ahí dejo la tarea de analizar la escena a cada espectador. Les encantara como se desarrolla y como termina. Me mato

¿RECOMENDABLE?

Mas que recomendable. Véala. Le va hacer bien. Le va hacer pensar, si estoy bien , mal, equivocado, descarriado, demasiado solo, demasiado acompañado…
Es una película muy de autor. Creo que solo escritores pueden plantearse escribir cine así, tan intimo con tanto contenido entrelineas.
Para mi es sin lugar a dudas una de mas mejores películas chilenas y latinoamericanas que hayan visto y verán la luz por muchos años mas.

Repito. Véala. Indiferente no lo va a dejar.

¿Soundtrack?

Es bien pobre. Me la juego que es así por un cuento de dinero. Le película conto con un presupuesto muy bajo, y por temas de derechos creo que Fuguet se la jugo por un corto, pero preciso set de temas para acompañar la película.

Y lo mejor de todo.


En el siguiente enlace se encuentra la película. No hay escusa para no verla.




Espero que haya gustado el "comentario"
Comente como usted quiera, donde queira siempre que sea con respeto.
Publicite este espacio como quiera y de la manera que encuentre mas adecuada.


Nos leemos la próxima semana.


Saludos


Cristián Santander Araya
@csantandera

[CINE] THE THIN RED LINE (1998)

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Hola a todos.
Espero que todos estén muy bien.
Después de una semana de “mini vacaciones”, vuelvo al ruedo con este espacio.

Repito
Gracias por las criticas, comentarios, palabras de apoyo, etc.
Parece que gusto el espacio y eso motiva a seguir mejorando.
Bueno.
Vamos al grano.

Después de la melancólica, intima y reflexiva “Velódromo”, vamos por un clásico.

Perteneciente uno de los directores más enigmáticos de los últimos tiempos, maestro del cine contemplativo, creador de “poesía” para la pantalla grande, “único” capaz de abordar de manera profunda temáticas como la existencia de Dios, la vida, la muerte, el azar, de una manera tal que es capaz de pasear al espectador todo el espectro de emociones posibles durante la duración de sus films.

El clásico que me refiero es una película, que sin miedo a equivocarme, debe ser la única película clasificada como “bélica” que para mi es una “cinco estrellas”.

La delgada línea roja” de Terrence Malick.

Partimos

El estadounidense Terrence Malick llevaba más de veinte años sin dirigir una película, desde “Days of Heaven”(1978), y su vuelta al cine fue una noticia que remeció al “mundillo” Hollywood. Prácticamente todo el mundo quería participar en el film sin importar el personaje ni el tema ni nada. Incluso actores como el mismísimo Sean Penn (que tiene su espacio reservado en este blog, para mas adelante) estaban dispuestos a trabajar con él por tan sólo un dólar o literalmente por “amor al arte”. ¿Exageración? ¿Admiración?.

¿Que pienso yo?

Sabían con quien iban a trabajar y que además este film no seria otra “película de la II Guerra Mundial”, sino que marcaria un antes y un después en lo que se refiere a películas “bélicas”.

Nota la margen.
Algo que me carga es algunos “críticos” es que nos “encajonen” o clasifiquen una película como “drama”, “comedia”, “acción”, o en este caso “bélica” antes de verla.

Para mi esa es la gran tarea del espectador. Cada uno interpreta la película según su gusto, según como le llega esta; por eso es que me refiero a ella siempre entrecomillas. Y porque tanta “cuatica”.

Por que para mi, esta no es una película “bélica”.
Personalmente despierta casi todas la emociones disponibles en el espectro, y por eso me cuesta tanto clasificarla, “encajonarla”.
Por eso prefiero dejarla ahí, sin “etiqueta”. Casi al final de esta critica esta la repuesta de porque no se pude etiquetar a esta película.

Algo si les puedo decir.

Tras haber visto LA DELGADA LINEA ROJA afirmo sin duda alguna que la espera de mas de 20 años ha merecido la pena. He visto muchas de películas en mi vida, creía que nada podía sorprenderme a estas alturas, tal vez emocionarme, pero no sorprenderme; pero estaba equivocado. La obra de Malick me ha sorprendido, me ha emocionado, me ha conmovido y me ha entusiasmado. Por lo mismo me ven escribiendo sobre ella.


Continuemos.

Terrence Mallick adapta la novela homónima de James Jones para realizar posiblemente la película bélica más intimista de la historia. 
‘La delgada línea roja’ narra una muy particular historia en el contexto de la batalla de Guadalcanal, durante la Segunda Guerra Mundial, las diversas historias de varios personajes a los que afecta la guerra. Malick no se limita a filmar solo una película bélica, sino que hace más hincapié en las consecuencias de la guerra sobre el ser humano que en la guerra misma.
El depurado guión que Malick ha creado (llevaba 7 años elaborándolo) un impresionante recorrido por la condición humana cuando se ve enfrentada a situaciones donde la vida está en juego.

Así, pues tendremos situaciones en donde los combatientes no soporten el estrés, otros tantos se volverán locos por diferentes circunstancias, habrán algunos que sufrirán un miedo desmedido y comprensible ante la situación que les toca vivir, y habrá otros que sacarán todo el valor que puedan para hacer frente a lo absurdo de la guerra.

Creo que básicamente esa es la intención del director en ésta película, mostrar el horror de la guerra en toda su extensión y de una manera soberbia.

TERRENCE MALICK

El punto de vista elegido por el directr es interior: aunque sea una película coral, predomina el individuo. Al director le interesa más la radiografía que la imagen de cada soldado; y así nos lo hace ver. Detecta el alma de cada personaje gracias a algunos recuerdos en flash-back o a voces en off que resuenan en las excelentes imágenes que nos entregan las maravillosas locaciones elegidas.

Creo no haber visto nunca un director que usara tanto el recurso de la voz en off como lo hizo en esta cinta. No solo no he visto alguien que lo use tan continuamente, sino que no he visto a ningún director que lo use de una manera tan genial narrativamente hablando como Malick lo hizo en éste film.
La riqueza de matices de los personajes que Malick nos va presentado con la ayuda de la voz en off, con sus vivencias personalizadas e interiorizadas, muestra el absurdo de la guerra, la rebeldía solidaria, la fuerza del amor, el deseo de inmortalidad, etc.
Una vez más, Malick sitúa a sus personajes en una especie de lucha contra la naturaleza, en la cual hay unas leyes propias que escapan al control del hombre.
Son soldados, pero están asustados, saben que su vida está en juego, que ellos no son nada ante ametralladoras camufladas en bunkers, y de ahí sus rostros compungidos ante la pulsión de la muerte.

Quién eres tú, con el que viví? Con el que caminé? El hermano. El amigo. La oscuridad de la luz. El dolor del amor. ¿Son ideas de una sola mente? ¿Los rasgos de una misma cara? Oh, alma mía; déjame ser en ti, ahora. Mira a través de mis ojos. Mira las cosas que has hecho. Todo lo que brilla.


Escenas en las que aparecen las cartas de amor, el recuerdo de los seres queridos, el enfrentamiento a las decisiones de los superiores, esa vulnerabilidad humana, ese “echar para adelante” sin demasiada convicción, esa materia humana pura y corrompida, angelical y demoniaca, junto a esa guerra que exterioriza los demonios de cada uno, le confieren un aura poética, que acaba hipnotizándonos. 

Escenas como las del cocodrilo en total libertad (más tarde en cautiverio), o los niños nadando en unas aguas tan azules que simulan ser el cielo, señalan que en este mundo hay otro mundo mucho más sencillo y hermoso, pero muy difícil de conservar.


Probablemente la escena más poderosa de la película, aquella que resume todas sus intenciones en un prodigio de síntesis visual, es en la que un grupo de soldados comandados por John C. Reilly se cruzan con un nativo que pasa a su lado, casi rozándoles, pero como si no les viera en absoluto, absorto en su mundo y ajeno al que los soldados están a punto de traer.

Pocas veces una secuencia tan sencilla ha expresado tanto.

Malick utiliza a su ejército de actores como torrentes de voces que van alimentando un océano de recuerdos, terror, desengaño, anhelo y tragedia en el que cuesta mensurar su amplitud y profundidad. La película aspira a un nivel de pureza y aparente simplicidad que las candidatas al Oscar suelen soslayar.

¿De verdad un soldado se plantea esos dilemas existenciales en medio del campo de batalla?

¿Qué tiene que ver ese magnífico entorno natural con las balas de cañón que se disparan sin cesar?

¿Qué guerra estoy mirando?

¿La Segunda Guerra?

Porque estos personajes y sus circunstancias más bien parecen sacados de un conflicto de características “homéricas”.


Si hablamos del cuadro artístico de actores debemos apuntar el excelente nivel de calidad de todos ellos, pero tal vez debamos extraer algunas composiciones del conjunto de estrellas que no quisieron perderse la ocasión (tal vez) única de trabajar bajo las órdenes de Malick: Jin Cavezel, como Witt, el hombre que conoce el paraíso y el amor en estado puro, pero que es capaz de ser un héroe en el campo de batalla llegado el momento; Elias Koteas como ese capitán incapaz de sobreponerse a las bajas de su pelotón; Nick Nolte, un Coronel que intenta tener su ocasión en la historia a cualquier precio; y finalmente un Sean Penn prodigioso, como ese sargento aparentemente insensible que realmente no lo es tanto.


La anhelada paz entre los seres humanos, el lugar con el que todos soñamos para ser felices, se materializan en las experiencias del soldado Witt en apariencia un personaje más del relato coral, pero en realidad el verdadero conductor y esencia del mismo. Con sus vivencias (ha desertado del ejército y vive en una especie de paraíso, aunque sólo a sus ojos y los del espectador) y pensamientos, empieza y termina la película. En medio, un periplo íntimo y lírico, por el que pululan los demás personajes, a través de los cuales se nos habla del valor, coraje, cobardía, miedo y demás miserias humanas, aquello que en mayor o menor medida ha hecho que el hombre sea la especie animal más terrible y odiosa que existe sobre el planeta Tierra. Y qué mejor contexto que el de una guerra (el invento más estúpido de la historia del hombre) para mostrarlo.

Y todo esto narrado como si de poesía en movimiento se tratase, con un prólogo como pocas veces hemos tenido ocasión de ver, un prólogo que ya no muestra lo que veremos en las casi tres horas siguientes, la descripción de un escenario muy similar al ‘paraíso terrenal’. Malick no utiliza una narrativa fílmica típica, sino que ofrece una sucesión de “poemas visuales” que unidos forman un todo tan asombroso como fascinante. Podemos recordar al soldado sepultado, cuya cabeza asoma entre la tierra... Los insertos de animales autóctonos, como el ave agonizando en uno de los momentos más crudos del film... Los momentos de sol y los momentos nublados, reflejo del estado de ánimo global.....

Otro aspecto destacable, más bien por su ausencia, es el hecho de que no aparezca ninguna bandera norteamericana en toda la película. No por una cuestión antiamericana, sino porque el patriotismo no tiene nada que aportar a la película. Lo relevante en ella no está en la guerra en sí, sino en lo que significa para los soldados, cómo altera su naturaleza humana. Y si se hubieran incluido los típicos clichés de una película bélica, tales como la heroicidad, el maniqueísmo (algo en lo que caen muchas películas bélicas, en las que los buenos son cien por cien buenos, y los malos son cien por cien malos) o el patriotismo, el mensaje de Malick se habría difuminado.

Bueno, pero si no se quien es Malick… ¿donde puedo darme cuenta de las diferencias con el resto?

Claramente en el trabajo de dirección.
Este aspecto me resulta muy difícil de criticar. No tengo la menor idea de cómo “hacer cine” y sin embargo sé ver en las escenas de acción de esta película un perfecto ejemplo de cómo debe ser rodada una batalla. La cámara sigue a los soldados, con “travellings” muy suaves y siempre en movimiento. Sube colinas, da giros de 180 grados y se desplaza con mucha soltura, pero al contrario de lo que puede parecer, no marea; los movimientos son tan suaves y delicados que te hacen sentir dentro de la batalla. Igual de sublime es el trabajo fotográfico y artístico, mostrando la belleza de la naturaleza como si se tratara de un documental.


¿Y el guión?

La adaptación del guión estuvo a cargo del propio Malick quien logró que una película de casi tres horas, se nos pase bastante rápido, con buenas dosis de excelentes escenas de acción, con una evidente crudeza y filmadas con una notable excelencia, no sólo por cómo se utiliza la cámara en dichas batallas, sino por cómo se transmite el drama de la mismas con un montaje preciso, un ritmo narrativo más que correcto, y una dirección de fotografía impresionante.

Pocas veces vamos a ver a un director de tan altísimo nivel, que además sea capaz de escribir previamente lo que posteriormente plasmará en imágenes; pero Malick una vez más rompe moldes con un guión tan soberbio, tan perfecto, tan personal, que nadie podría haber escrito sin que la película se resintiese, sin que perdiera parte de su fuerza, de su concepto, de estética.

Ese uso del monólogo interior, casi constante en la obra, en contraposición a la escasez de diálogo...


Ese uso de la naturaleza, de los escenarios paradisiacos, como personajes vivos, mucho más vivos que alguno de los personajes..

Del cuadro técnico podríamos analizar caso por caso y la conclusión sería siempre la misma: excelente trabajo. Pero hay dos nombres que no podemos olvidar en este repaso, dos profesionales que posiblemente sean los que más han aportado a esta cinta después de su creador Terrence Malick.

En primer lugar Hans Zimmer que ha realizado el trabajo de su vida, la composición que consagra a un creador musical como un maestro indiscutible e indiscutido; asombrosa la simbiosis de una composición que tiene ‘vida’ por si misma, pero que en la película sirve como impresionante acompañamiento a unas imágenes, sin destacar en ningún momento del conjunto, pero aportando siempre el matiz necesario.

HANS ZIMMER

El segundo punto a destacar es la fotografía, obra de John Toll que con su saber hacer logra algunas de las imágenes más bellas vistas en un cine, con unos escenarios naturales de una belleza indescriptible; imágenes y escenarios que de la mano de Malick se convertirán en un personaje más de esta película.
La coloración de la cinta, como funcionan las tonalidades de las imágenes, son de una belleza espectacular que contrastan con el desastre humano que el film transmite en las batallas. Realmente la película ha sido impecable en ese rubro.

JOHN TOLL

De verdad resulta insólito que un tipo como Malick (con su reputación de recluso, de inconformista crónico, de tipo insondable) haya conseguido salirse con la suya y amplificar a nivel de superproducción las inquietudes y obsesiones de un “cineasta independiente”. Tal vez ahí este la clave del su “clasicismo”. O tal vez radique en su voz lírica, lo bastante potente como para apoderarse de un filme que la potencia con los brazos abiertos, desde su primera imagen, hasta los versos del final.

Claramente “La delgada línea roja” supone un “film-isla” dentro del actual panorama cinematográfico, sobre todo viniendo de EE.UU, cada vez más preocupados en hacer películas de consumo y disfrute inmediato que no quedan en la memoria del espectador, allí donde se cultivan las buenas obras de arte.

Resulta imposible obviar la comparación con Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg. Sin quitarle mérito a la película de Spielberg, considero que Malick dota de mayor hondura y amplitud de miras tanto a la crítica antibelicista como a la construcción y variedad de los personajes. Quizás el gran público conecte mejor con el sentido del ritmo de Spielberg, pero Malick, con su "lentitud", sumerge al espectador en un mundo donde nos encontramos con nosotros mismos sin miedo a las preguntas ni al compromiso con las respuestas.

Aquí me respondo a mi mismo el porque esta película no pude ser etiquetada como del genero “bélica”

La delgada línea roja no es ni una película bélica ni antibélica: presenta una fusión “estético-poética” de la guerra. Tenía razón “Newsweek” cuando en el año 1998, afirmaba que La delgada línea roja era un “poema cinematográfico”, Malick ha hecho un poema, una honda reflexión sobre la vida y la muerte, sobre el bien y el mal en el hombre, sobre las cosas que le mueven y en las que cree: el amor, el paraíso terreno o también Dios.


Aun así el final me resultó bastante emotivo, con un sabor agridulce: agrio porque no quieres aceptar la guerra, no puedes aceptarla y no eres incapaz de  comprenderla. Y dulce porque tienes esperanza en el ser humano, porque considerarlo cruel por naturaleza es un craso error.

Emociona comprobar ante la visión de este film, cómo no sólo no hay géneros pasados de moda, sino que una buena historia traspasa los límites de lo que se cuenta y cala en la sensibilidad reflexiva y afectiva del espectador.

Creo que todo el que entienda lo que Malick nos quiere decir sabrá que su mensaje es universal; todos somos seres humanos y todos somos parte de la naturaleza, y tal y como aprendimos al estudiar el ciclo de la vida, nacemos, nos desarrollamos, nos reproducimos y morimos.


Podría escribir mucho mas sobre esta película y sobre el trabajo de Terrence Malick, pero usted “señor lector” acabaría cerrando la ventana de su navegador, y eso no es lo que busco, así que termino y resumo:

No sé si viviré 20 años más, pero gustoso esperaré si este es el resultado encontrado, aunque lamentaré siempre no poder disfrutar más obras de este peculiar realizador. Gracias Señor Malick por lo que nos ha dado, gracias a la Fox por financiar este proyecto.

Normalmente aquí viene la recomendación para todos sin excepción; pero en este caso sería quedarse corto.

LA DELGADA LINEA ROJA es una obra maestra definitiva, desconozco si estamos ante la mejor película bélica de la historia, posiblemente sí lo estemos, posiblemente no,  pero si puedo afirmar que a partir de este film el género ha dado su última palabra. Tras lo expuesto…
¿Qué más puedo decir?

Simplemente una creencia: es una suerte poder ir a un cine a ver una película así, es una suerte comprobar que el cine, pese a todo, aún puede ser arte.

La delgada línea roja es un viaje filosófico a lo más recóndito del alma humana universal.




Espero que haya gustado el comentario.
Comente como usted quiera.

Publicite este espacio como quiera y de la manera que encuentre mas adecuada.

Nos leemos la próxima semana.
Saludos

Cristián Santander Araya


Twitter: @csantandera 
Facebook: csantandera

[CINE] THE GODFATHER (1972)

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Hola a todos.
Espero que todos estén muy bien.

Gracias por las críticas, comentarios y palabras de apoyo.
Vamos a los que nos convoca.

Hoy nos toca nos toca una cita con la historia. Como se habrán enterado por la prensa o por comentarios de amigos, hasta hace una semana estuvo en la cartelera de los cines.


THE GODFATHERde Francis Ford Coppola.



Director: 

Writers: 

Mario Puzo (screenplay),Francis Ford Coppola(screenplay).


Cast:
Al PacinoMichael                                           
Al LettieriSollozzo
Abe Vigoda… Tessio
Talia ShireConnie
Gianni RussoCarlo
Rudy BondCuneo

 Official Trailer 


Este año se cumplen 40 años del estreno en USA (en Chile se estreno en 1974) y como una forma de homenaje , se volvió a estrenar en su formato original y restaurada bajo supervisión del propio director del film, Francis Ford Coppola y por Gordon Willis, su director de fotografía.

Como buen cinéfilo, partí al cine . Función de 21:50 hrs. Entre segundo a la sala, me senté al medio de la sala. Perfecto.
Casi, la verdad.
Unos minutos después, se sentó alguien delante mío ( al final era la familia completa que ocupo la fila). Minutos después, se sentó una pareja justo detrás mío.
Para mi fortuna resulto ser gente que iba al cine, a ver cine; no gente que estaba aburrida en su casa y partió al cine porqué no tenia un mejor panorama.
En ese sentido nada que quejarse.


Para que vean que si fui.

Mientras estaba sentado en la sala, esperando que comenzara la película, me dije a mi mismo “ ¿Si comentara en el blog sobre de EL PADRINO, que podría decir?”

TODO LO QUE PUEDA SER CONTADO, YA FUE CONTADO.
TODO LO QUE SE QUISO MOSTRAR, YA FUE MOSTRADO.
TODO LO QUE DESCUBRE SOBRE EL MUNDO, YA ESTA A LA VISTA.

Esa fue mi auto respuesta, unos segundos después.

¿Que hablo entonces?

En ese momento pensé que si o si tenia que dedicar unas palabras a la película que cambio a una generación para siempre y que seguirá en la memoria del público por muchas décadas más.

Esta vez si que será un comentario.

Creo que venir a criticar a  mejor película de la historia del cine no me corresponde. Tampoco me siento capacitado y creo que seria una “falta de respeto” de mi parte criticar tamaña obra.
Por eso, esta vez escribiré un poco diferente

"Sight and Sound", famosa revista inglesa de cine cada cierta cantidad de años, entre 5 y 10 años generalmente, escoge entre muchos críticos del mundo, a la mejor película de la historia. Durante muchos años lleva haciendo esto y a tenido en lo mas alto del podio a películas como Battleship Potemkin, de Sergei Eisenstein ,The Gold Rush, de Charles Chaplin, y durante mucho tiempo a Citizen Kane, de Orson Welles, pero curiosamente en todos los años de encuestas, EL PADRINO nunca a estado como numero uno.

Justamente este año hay votaciones y creo que con justa razón EL PADRINO ocupara el primer lugar de la lista.

Pero…

¿Porque seguimos pegados con EL PADRINO?.
¿Porque diablos la seguimos viendo?.
¿Que es lo nos cautiva tanto de ella?.

¿Como diablos una película de hace 40 años, que todo o casi todo el mundo ha visto,llena la mitad de una sala de cine, con un publico entre los 20 y los 60 años, en una función que antes de la 01:00 de la madrugada no saldrías del cine...un día de semana?

¡Alguien me puede explicar eso!

Bueno, 2 grandes razones, a mi entender.

1º. La  experiencia sensorial que produce el cine (completamente oscuro, en un cómodo asiento, con un sonido envolvente y en una pantalla 20 veces mas grande de lo normal) es algo que sin lugar a duda engancha, y mas si le añades una película como esta.

2º. Como dije anteriormente, para mi, esta película marco a una generación completa. Imagínense lo que es haber visto esta película 40 años atrás.
Es para quedar “marcando ocupado” una buen rato.
Quizás por eso en el cine, el día que fui, había tanta gente sobre los 45, 50 años. Para ellos marca quizás un momento épico en lo que a “arte en movimiento” se refiere.

Continuo con mi experiencia de esa mágica noche.

La gente estaba callada. No emitía comentarios. Se notaba que no había conversaciones de “¿que paso?”, “¿no tendí lo que dijo?”, o cosas por el estilo.
Se produce algo muy parecido (si es que no lo es) a lo que los gringos llaman el “high entertainment”. Por momentos me sentía en una especie de “misa, de “liturgia”. La gente parecía que estaba en la ópera con una total comodidad con lo que pasaba frente a sus ojos.

La gente sabia y conocía que se estaban dando un gusto , un “entretenimiento de alta calidad”, estaba disfrutando del “gran arte” con esta película.

La gente, al igual que en una misa, sabia a lo que pasaría en un 100%. La gente sabia en que momento iba a pasar tal cosa y que venia después. No había miedo de generar “spoiler” de unos a otros.
Todos sabíamos que sentiríamos tambien la pena que siente Tom Hagen al morir Sonny o la pena que siente Michael, tras el atentado a su bella esposa en Sicilia, Apolonia.
Por eso me sentía en una liturgia, dirigida en este caso por el señor Francis Ford Coppola (en vez de un latero cura). Win Win


Y algo que no me había pasado antes.
Termina la película, al comenzar los créditos, la gente comienza a aplaudir, como si hubiese terminado el acto final de una ópera o hubiera finalizado una obra de teatro.

Mágico

Sublime

De todas las veces que había ido al cine jamás me había pasado. La gente simplemente se paraba de su asiendo y salía de la sala.
Aquí fue todo diferente.

La pregunta cae de cajón.

¿Que es EL PADRINO?

Mas allá de una notable adaptación cinematográfica de la novela homónima de Mario Puzo.

Para mi, es la historia de una banda de asesinos, ladrones y gañanes que se ven a si mismo como un grupo de figuras “trágicas”.



Michael Corleone siempre tiene la opción de dar un paso atrás, de tomar otra vía, de escapar de su futuro… pero aunque lo intenta, termina cayendo en los “negocios “ de la familia, a pesar de que al principio del film el le expresa a su prometida Kay, en medio del matrimonio de Connie, que no tiene intenciones de seguir el negocio familiar.


Desde ese punto de vista, es triste la historia; nuestro personaje por mas que quiere descolgarse de su futuro, no hay caso. Terminara donde todos ya sabemos. Convirtiéndose en "Don".

Ahora, claramente esta tragedia se ve potenciada por la música compuesta por Nino Rota, el trabajo de fotografía llevado adelante por Gordon Willis y finalmente el trabajo del mismo Mario Puzo, que mediante la ficción que se va generando en la historia, contribuye al caracter dramático que les hablo.

Ahora otra pregunta que aflora al ver esta película.

¿Se dieron cuanta de la poca importancia de la mujer en la película?

Lo poco importante para la película, para su desarrollo, para su trama en si.
Algunas veces pienso que es un error de guión el no trabajar mas a las mujeres en el film. La única escena importante que involucra a una mujer y que todos podemos recordar es la escena final del film donde Michael le cierra la puerta suavemente, pero en la cara a su esposa Kay.


¿Alguien se acuerda de Leona?.
¿Quien es leona?, estoy seguro que se preguntara el lector.

La esposa de Vito y madre de Sonny, Freddo, Connie y Michael.
Nadie se acuerda del personaje, lo que deja a la vista la pobre importancia de la mujeres en la cinta.

¿Cuando se vuelven importantes las mujeres en la cinta?.
Nunca.

El mundo de los Corleone es un mundo de hombres. Las mujeres no existen en este mundo.

¿Pero esa fue una idea del director de la película?.
Claramente para mi no lo es. Ford Coppola solamente muestra lo que esta puesto sobre la mesa, el mundo que Mario Puzo crea.
No es ningún capricho del director. “Ese es el mundo que retrato”, podría decir el director en su defensa.

Sigamos hincando el diente en las mujeres de este film , y mas especifico en Kay.

¿Existe el amor en la relación, entre Kay y Michael?.

Para mi no nunca en todo el metraje de la película. No hay amor entre estos personajes, ni siquiera en las 2 películas restantes de la trilogía.

La verdadera historia de amor que hay en la película es la historia entre Michael y Apolonia, la chica siciliana que aparece en el interludio de la cinta.



El cambio que imprime Al Pacino al personaje de Michael es notable.
Michael deja de ser el durante su estadía en Sicilia. Actúa como si no fuera a volver nunca mas a América, sabiendo que si tenía que volver en algún momento. Cambia su forma de pensar lo que es notable dentro de un personaje que continuara mutando durante todo el film.
Y nuevamente vemos la figura trágica en el personaje interpretado por Pacino. Por mas que lo intente , por mas que se quiera separara de su camino natural a los “negocios de la familia”, el destino lo lleva hacia ellos.

¿Quien es el protagonista del film?

¿Es Pacino, Brando, es el conjunto, el concepto de la familia en si?.
Desde chico, y cuando uno ve la película por primera ves piensa en el protagónico es Marlon Brando, interpretando a Vito Corleone.
Pero ahora, al ver la película nuevamente en formato original, me entró la duda.

Ahora que lo pienso existe un “vacío del personaje”.
El verdadero protagonista es si es el cargo del  don.

El “cambio de Don” desde Vito a Michael, y las consecuencia que genera en el resto de la familia, y mas, la traumática asunción de Michael como patriarca de la familia, refuerza  a mi parecer la tesis que les planteo sobre la ausencia de personaje protagónico.

Por mas que intento ver fallas o fisuras en el trabajo de Brando , no las encuentro.


Durante todo el film, Brando lleva de tal manera su personaje, que hace que el espectador vea a Vito Corleone como un santo. 

Para mi Brando nos hace entrega del papel mas recordado de su vasto historial como actor.

Sino haga memoria de las incontables veces alguien de sus cercanos, incluso hasta usted mismo, ha imitado la forma de hablar, de expresarse, de gesticular de Vito Corleone.

Vito Corleone es un santo. Un personaje lleno de virtudes dentro de su mundo.
Es cosa de poner atención sobre la forma que de manejarse en su mundo. Vito no ejerce violencia para tener control de su “negocio”. Tampoco lo hace por medio del terror.
A Vito Corleone la gente le viene a "ofrecer favores" a cambio de protección, pero nunca bajo la presión de una extorsión previa.
Notable la capacidad interpretativa de Brando, que genera pena en la gente cuando sufre el atentado contra su vida por parte de Sollozzo, que casi acaba con su vida, y cuando finalmente fallece mientras jugaba con su nieto.

No por algo es considerado el mejor actor de la historia del cine en incontables encuestas entre los mas variados círculos de críticos de cine.

Ahora una reflexión/pregunta, de los que no se han leido el libro.


¿Que tanto se asemeja la novela original de Mario Puzo, a la película dirigida por Ford Coppola?

Leia la novela hace unos años atrás. Y ahora que tuve la posibilidad de ver la película me doy cuenta de algo que había dejado pasar las otras veces.
Algo pillo que hizo Ford Coppola.

El director edito todo lo del libro que tuviera que ver con sexo.
El libro son casi 600 paginas de las cuales casi 100 son puro sexo.

¿Ejemplos?

El mismo doctor  que ve  a Michael tras su pelea con el jefe de policía y que se convierte en el médico de cabecera de Vito, es el mismo doctor que trata la vaginitis (si, vaginitis) de una de las cuantas mujeres con las que se acuesta Sonny. Así de suave la cosa.


También se omite una parte de la famosa visita de Tom Hagen a Woltz, el millonario productor de Hollywood ( el mismo que termina despertando con la cabeza de su caballo bajo las sabanas).


En el libro se deja de entrever que le gustaba coger con niñas menores de edad, las cuales estaban incluso autorizadas por sus propios padres. Fuerte por decir lo menos.

Las “sesiones de cine” a las cuales Johnny Fontana era sometido por las actrices mas viejas en el mundo cinematográfico hollywoodense , también es omitida por Ford Coppola.

Ford Coppola dejo de lado todo lo que tuviese relación con el sexo y escenas fuertes, para quedarse solo con la intriga, la acción y la “cosa de familia”.

Una película que hubiese sido a todas luces para "mayores de 21", la dejo en una para "mayores de 14".

Ahora quien dio la orden de hacer eso. 
¿El propio director, los productores, los ejecutivos de Paramount Pictures?. 
Quedara para el misterio.

Y quizás es unas de las razones por la cuales Ford Coppola en un comienzo no quería hacer la película. El director siempre encontró a EL PADRINO, una novela de aeropuerto, una novela liviana, una “novela de cuneta”. Una novela que nunca iba a tener una repercusión importante,  debido a la naturaleza propia de su genero.
Que bueno que después cambio de opinión y todo resulto como conocemos hoy. Por suerte.


Ahora quiero introducir un termino bien particular, con respecto a este film. 

Pornografía fílmica.



La película en si esta tan perfectamente filmada, con un trabajo único de fotografía y un trabajo de montaje tan perfecto en todas sus líneas, que genera que la violencia que vemos en el film se ve hermosa, pero a la vez voluptuosa (de hay lo de pornográfico).

En si dan ganas de volver  haber las escenas una y otra vez, y al igual en que en un film erótico, uno quiere mas y mas de esa “preciosa violencia” y que la “voluptuosidad” que vemos en pantalla sea cada vez mayor.


La violencia en EL PADRINO esta sacralizada.

Uno como espectador encuentra "hermosas" las escenas en las cuales le meten una bala en la cabeza a un tipo. Escenas como la de los correazos de Carlo a Connie que suenan y se ven fuertísimos en pantalla, no nos parecen tal como nos debiera de parecer. Como Sonny golpea al mismo Carlo hasta dejarlo inconsciente, nos parece una reacción justa y merecida y hasta nos alegra ver el estado en que Carlo termina tras la pelea.



Violencia sacralizada.
Pero al fin y al cabo, violencia

La violencia ocurre en un mismo plano.
No es violencia de plano y montaje, como podría ser la violencia que vemos en “La Pandilla Salvaje”, película contemporánea a EL PADRINO.
En esta película toda acción violenta es mostrada en un mismo plano. Vemos la violencia tan cual, sin cortes de montaje.
En si no hay efecto narrativo en lo que se quiere mostrar. Solamente se quiere mostrar algo bello para el lente, y finalmente para el espectador.


Para ir terminando...

¿Quien es el autor de EL PADRINO?

¿Mario Puzo?.
Partimos de la base que al comenzar la película, se lee clarito “ Mario Puzo’s The Godfather”. Escribió el guion del film junto con Ford Coppola, y escribió la novela que da vida  a todo.

¿Francis Ford Coppola?
Es el director del film. Co-guionista. Un tipo que filmo a pedido de los estudios, pero que cada vez que se involucraba en el proyecto, ponía lo mejor y peor, a la vez, de si mismo.

¿Gordon Willis?
Director de fotografía de la película. Importantísimo cable a tierra de los dos mencionados anteriormente.
Además EL PADRINO sin la fotografía que imprime Willis, a cada escena, entregando la luz necesaria cada plano y dando la atmosfera adecuada a cada espacio que el film utiliza hace que su participación en la cinta sea importantísima.

¿Robert Evans?
Productor jefe del film, que se la jugo a muerte por el proyecto , poniendo las “manos al fuego” por todos los integrantes del elenco actoral y técnico del film, frente a los ejecutivos de la Paramount Pictures , que durante varios momentos del rodaje, tuvieron ganas de suspender el proyecto.

¿Nino Rota?
Nino Rota es de otra liga. Compositor de la banda sonora del film.
Ósea, parte de la fama del film se la debe a su música
¿Quien no a tarareado el estribillo famoso de EL PADRINO?. A eso me refiero.

¿Marlon Brando?
El mejor actor de la historia. El actor mas famoso e la historia. El papel mas famoso de la historia del cine.
Si hasta antes de EL PADRINO, Brando era un pedazo de actor, con este papel se encumbro a lo mas alto del olimpo de los actores.

¿Al Pacino?
Un joven y desconocido Al Pacino dio vida a otro personaje notable dentro del film. Un personaje recordado por tomar le mando de la familia, pero también por lo compleja de su forma de ser y de manejar conflictos, en alguna veces tan distinta a la de su padre.
¿El personaje mas recordado de Pacino?. Muy probable, y con justa razón , de unos de los actores con mas chispa y carisma que hayan pisado un set de filmación.

Mi opinión.
Un frase la resume.

“El todo es mas que la suma de las partes”

Puzo, Ford Coppola, Evans, Rota

Simplemente sin la participación de alguno de ellos quizás la historia diría otra cosa sobre este film. Por eso pienso que todos los involucrados hicieron de esta película la mas célebremente conocida cinta de la historia.

Y para mi, la mejor película de la historia del séptimo arte.

Caan, Brando, Ford Coppola, Pacino, Cazale

Lamentablemente para el cierre de este comentario la película ya no esta en las salas de la quinta región. En Santiago continua en cartelera. Busque en su cine favorito días y horarios de las funciones y valla a verla. No se arrepentirá. Se lo aseguro.

Espero que haya gustado esta critica. Me esforcé mucho en tocar tópicos distintos a los que tocamos en comentarios anteriores. Hice mi mejor esfuerzo.
Por lo mismo mas que nunca, necesito el feedback de los lectores.

Publicite este espacio como quiera y de la manera que encuentre mas adecuada.

Nos leemos la próxima semana.
Saludos



Cristián Santander Araya



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[CINE] SCARFACE (1983)

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Hola.
Espero que todos estén muy bien.

Gracias por las críticas, comentarios y/o palabras de apoyo.
Gracias tambien por las numerosas visitas que ha tenido este espacio. De verdad no me lo esperaba. Así que sigan visitando el sitio y recomendando de la forma que ustedes encuentre mejor.


Ahora vamos a lo que nos convoca.

Esta semana volvemos  a los clásicos, y nuevamente con un re-estreno que llega a las salas de cine, tal cual ocurrió con el padrino hace algunas semanas.

Gracias a la fiebre de re-estrenos que en que estamos actualmente, y al parecer, gracias al éxito que tuvo en salas el reestreno de "EL PADRINO", llega a las salas una película colosal, donde la violencia, el leguaje, explosiones de pólvora, sangre, droga, música disco, fucks y la forma de lograr el “sueño americano”no dejan a nadie indiferente, hasta el día de hoy.

SCARFACE


Director:

Writer:

Cast:



TRAILER OFICIAL

Creo que desde hace mucho, pero mucho tiempo que no había un jueves de oro en las carteleras nacionales. Digo nacionales porque 2 de las 3 películas (Shame y Drive) ya se estrenaron hace mucho tiempo fuera en nuestra fronteras.


Algo pasa.

Increíble que a cada rato sucede lo que sucede : que los clásicos no fueron clásicos en su momento. Eso ocurre con "SCARFACE"
Me explico. 
Películas como "The king's speech" o "The Artist", son películas que envejecen de forma muy rapida, a pesar de que ambas son ganadoras de Oscar a mejor película.
Por lo mismo me la juego a que estos films, en unos cuantos años mas, muy pocos las recordaran.


Volviendo a "SCARFACE" hay que recordar que tuvo problemas con la censura por la escena de la ducha. No salía nadie desnudo y haciendo otras cosas. Simplemente se estaba descuartizando a un hombre vivo en la ducha. Algo suave


SCARFACE no fue un gran éxito en su momento, pero su gracia salió con el tiempo.


¿En que sentido?


Con la llegada del VHS se masifico película en los gánster afroamericanos, no los latinos,  los cuales engancharon mucho con la película, con la creación de afiches, poleras y la adopción de modismos típicos de Tony Montana.



La gracia de la película es instalar en el mundo latino el mito de "Scarface".
Esta filmada en una Miami, en donde todo lo relacionado a la perversión y a los excesos  tiene una inocencia mucho mayor, que si hubiese sido filmada , por ejemplo en Chicago o New York.
No tenia sentido tampoco hacer esta película en Chicago, similar a la epoca de la prohibición. 


La película se situa en donde las disjuntivas éticas y morales están ahi, en carne viva.

Al Capone y Tony Montana son personajes de diferentes épocas, con la única excepción de que ambos forman parte de las figuras que quedan en el colectivo mental a modo de seres casi mitológicos.



Puede ser que con uno de ellos se tenga certeza de su existencia, y que el otro sólo pertenezca a la creatividad de un director; de todas formas, el vínculo que los une, en el formato del celuloide, hace ver que las acciones arriesgadas toman fuerza cuando el guión, el personaje elegidos tienen una filosofía de vida que, aunque esté lejos de nuestros pensamientos cotidianos, se traspasa al subconsciente sin codificaciones previas. 

Howard Hawks empieza a comprender que esto es posible desde 1927, año en que comienza a escribir la historia basada en una novela que a su vez extrae parte de los actos delictivos del gran dominador de la mafia de la época, Al Capone. 
Acá nace el apodo que terminaría por imponer una marca registrada a todo lo relacionado con éste: Scarface (Al Capone tenía una cicatriz en una de sus mejillas). 
Scarface (1932), por cierto, cuenta el vandalismo realizado en varias ciudades de los Estados Unidos, donde destacan Chicago, New York y Miami; ejes centrales del tráfico de alcohol, estupefacientes y otras mercancías. El relato es más bien anti-gángsteres que una manera liberal de exponer los asesinatos y las peleas entre clanes, los que tuvieron que esperar dos años para ser exhibidos (1932). Es el cine de principios del siglo XX, tampoco se puede exigir demasiado (muchos cuadros cinematográficos fueron creados con posterioridad, en “El Ciudadano Kane”, por ejemplo).

Por lo tanto la película que hoy hablamos es el "remake" de la dirigida por Hawks en 1932.

Cuenta el productor Martin Bregman, que vio la película de Hawks en una noche de insomnio, y pensó que desde entonces, desde 1932, nadie había hecho nada parecido. Una gran historia criminal norteamericana. Con Pacino convencido, Bregman contrató a De Palma para empezar a trabajar en un guión, pero no funcionó y llamó entonces a su amigo Oliver Stone.

Es imposible concebir ‘Scarface’, sin el talento ni la enérgica aportación de estos tres hombres de cine: Stone, De Palma y Pacino.

Bregman puso el proyecto en primer lugar en manos de Sidney Lumet, Este sugirió el cambio fundamental en el que se apoyó toda la historia de la nueva ‘Scarface’; planteó trasladar la acción a Miami y cambiar el alcohol por la cocaína. Stone, que admite haber tenido problemas con la cocaína por aquella época, escribe un guion que finalmente a Lumet no agrada. Pensó que faltaba carga política y no le interesaba el violento ascenso y ocaso de un gánster.  Ahí es donde entra De Palma. El director cuenta que le entusiasmó la visión de ‘Scarface’ como una metáfora moderna de ‘El tesoro de Sierra Madre’, sustituyendo el oro por la droga; un extraño sueño capitalista autodestructivo.

Los avances técnicos del cine, la acción y el desarrollo de las psicologías de los personajes da la posibilidad para que Tony Montana, hastiado de la vida miserable de Cuba, de seguir matando por puro placer, se embarque a Miami, y decida seguir los pasos de la mafia seria, respetada sólo por el hecho de existir, junto con quien se transforma en la mitad de su cerebro, Manny Rivera. Ahora son otras las finalidades tranzadas en el mundo del hampa; la droga, el narcotráfico permiten posicionarse rápido en un pequeño ambiente, para luego liderar la mayoría de las transacciones.


La potencia del protagonista, eso sí, hace necesario acudir a encarnaciones creíbles, que se sostengan solas incluso en una simple toma. Al Pacino es lo que se busca. Viene demostrando, desde su incursión de “El Padrino”, que su temperamento y una mezcla de serenidad, a la hora de expresar lo que piensa el personaje, dejan en claro que las virtudes superan con creces a las carencias del actor. 

Acá comprobamos aquello: si Montana indica que es necesario eliminar a un enemigo, se denota con fuerza; cuando las frases duras ("Todo lo que tengo en esta vida son mis cojones y mi palabra”, por ejemplo) se deben señalar sin titubeos, la voz de Al Pacino resuena tal vez mejor de lo que De Palma desea; en la mitad de una conversación con una mujer, en donde sale a relucir el gusto por conseguir cualquier fin propuesto, las formas galantes, masculinas, se muestran directas, alejadas de los rodeos.

El filme está lleno de pequeños detalles que lo convierten en una obra completa, magníficas anticipaciones y lecturas sutiles, como por ejemplo, la relación que Tony mantiene con su hermana (Mary Elizabeth Mastrantonio), a la que no permite que ningún hombre toque, y extrañamente parecida a la mujer con la que se casa (Michelle Pfeiffer). O el hecho de que Montana recuerde siempre a todo el mundo como los comunistas siempre te están diciendo lo que tienes que hacer (es un cubano recién salido de las cárceles de la isla), pero esa misma es la actitud que el tiene con todos los que le rodean.

Tony Montana, piensa en tres cuestiones fundamentales: él, él y él. 

El resto queda en manos de quienes deben estar ahí a fuerza de lo que ha odiado desde siempre: quedar postergado a lavar platos en una tienda miserable, y luchar para obtener el dinero, el mando, a paso lento; en vez de conseguirlo de inmediato, sin saltarse la esencia de ser un matón al que nadie deja de temer; con o sin contradicciones incluidas.
A resaltar el acento de Pacino simulando ser cubano. Memorable.

Hablando de política, esta película corresponde a la época en la que Oliver Stone aún no había caído rendido ante los pies de Fidel, como le pasa a gran parte de nuestra clase "cultural", por lo que los personajes no se cortan un mínimo a la hora de relatar como se vive en una dictadura como la castrista. Ahora eso sí, eso no dignifica ni un mínimo al protagonista, pues es lo que se llama un personaje realmente negativo.
A todo esto, queda claro el gusto por retratar ambientes nocturnos, discotecas y clubes en los que se desarrolla la acción mientras los personajes atienden a varios puntos a la vez, a la conversación, a la gente que les rodea, a intentar salvar su vida, o los famosos momentos en los que los personajes tienen que decidir en segundos y en situaciones límite lo que va a determinar el resto de su vida... Y todo ello en medio del hampa latina en Miami, la ciudad en la que hasta las aceras son rosas.

¿Que me fascino tanto de esta película?

Cuando vi la película por primera vez, me fascinaron secuencias como la de la bañera o el tiroteo final, y las frases de Montana (”Todo lo que tengo son mis pelotas y mi palabra, y no las rompo por nadie“) que hoy sirven para vender camisetas y carteles, algunas de las cuales ya estaban en el film original (basado a su vez en una novela de Armitage Trail).

Imagino que mucha gente se quedará con esto, y es perfectamente razonable, los responsables de esta nueva versión querían impactar al público retratando el ambicioso y brutal modo de vida de esta clase de criminal, Brian de Palma es un virtuoso de la puesta en escena y Pacino se luce con la excesiva transformación que le permite el inspirado guión de Stone.





¿Que me impresiono ahora?

Lo que más me ha impresionado es la tragedia del protagonista.
Tony Montana lucha frenéticamente por escalar a lo que considera la cima, y cuando lo hace, se da cuenta de lo vacío que está, se encuentra solo, asqueado, destruido. 
En la primera "Scarface", la policia derrota al protagonista;
En la segunda "Scarface", el protagonista se derrota a si mismo.
Tony llegó a Estados Unidos desde Cuba. Era un inmigrante pobre con antecedentes penales y las autoridades lo metieron en una inmensa jaula junto a un montón de compatriotas desamparados. Tony realiza un par de trabajos sucios para un traficante de Miami, Frank Lopez (Robert Loggia), que los incluye en su organización. Pero Tony está hambriento, necesita seguir ascendiendo, y cuando descubre la debilidad de su jefe, lo desprecia y fuerza el conflicto, donde sale vencedor.

Fascinante es el personaje de Michelle Pfeiffer
Sale pesando 18 kilos, bellísima, pero a la vez gelida, fria..pero de tanta cocaina que trae consigo en ese momento. Hay algo que no muchos han notado. 

Finalmente la mujer norteamericana, bella con clase cae de una u otra forma, rindiendose a la "chabacanería" del latino inmigrante, en este caso con dinero y poder. 
Lo odia, pero al final sabe que lo necesita.





Volviendo a Tonny. Nadie puede con él, es una bestia imparable. Cuando Manny le pregunta qué quiere, Tony responde: “El mundo, y todo lo que hay en él“.



Se convierte en su propio jefe, gana una inmensa fortuna, consigue a la mujer que deseaba y es temido por todos. Alcanza su sueño. Está en lo más alto. Y cuando no puedes llegar más alto, solo puedes caer…
Otro aspecto que me di cuenta al ver la película fue la presencia de algo que,  en un principio, uno creo que el personaje de Pacino carece: El humor.
Sin eso, el personaje resultaría demasiado desagradable. Tony es un salvaje, paranoico, avaricioso, arrogante y machista.  Resulta imposible no recordar el famoso consejo de como conseguir a las mujeres que quieras en la vida.
“Lo que primero tienes que tener en la vida ganar es dinero, una vez que lo tienes, tendrás poder; luego de estas dos cosas, las mujeres vendrás solas, Manny”


Pero también es inteligente, agudo, bromista, carismático y tiene su propio código moral, uno muy básico pero que sirve para que el público simpatice con él, en lugar de desearle el peor de los castigos.
¿Que genera esto en el espectador?
Lo que ocurre con muchos personajes “gangsteriles”, tanto en cine como en televisión; uno acaba esperando que las balas no le hagan daño, que sea inmortal, que nadie pueda con él…


¡¡Say hello to my little friend!!




Se ha consolidado como una película de culto, una de las mejores del cine criminal y uno de los mejores “remakes” jamás filmados. Dura casi tres horas (170 minutos) y se devora con facilidad, con placer. Es admirable que no haya puntos flacos, bajones de intensidad en una historia tan extensa, siempre hay algo esperando, alguna escena, alguna imagen, algún diálogo, y no puedes dejar de mirar.

En Miami la perversión es mas energética. Tonny dice en una escena: "el capitalismo es como una mujer que hay que violar". 
Si fuerte, de eso estamos claros. 


Pero, ¿a que se refiere Tonny con la frase?


No hay culpa por los excesos. Mientras mas oro, mas mujeres, mas autos, mas glamour, mas cocaina, mas lujo mas fiestas, mucho mejor. 


Muestra algo muy tipico de tipos que viene de los estratos mas bajos de la sociedad. Al triunfar en la vida, de la forma que sea, el lujo y el exceso, en todo su sentido, no es algo mal visto. Es algo normal y casi necesario.


"Es una película muy ochentera", en el buen sentido de la expresion.
El uso de la fotografia, el resalte de los colores, la musica de Giorgio Moroder...cargada de sintetizadores y sonidos metálicos mezclado con la voz de Fidel es simplemente notable.


A fin de cuentas.


¿Vale la pena ir al cine a verla?
Claramente. Ultra recomendada.
Si la encuentra en cartelera( ya que en la V region ya no esta), corra a verla.
Disfrutará de un gran, pero un gran film. No se arrepentirá.



Espero que haya gustado esta critica.
Publicite este espacio como quiera y de la manera que encuentre mas adecuada.

Nos leemos la próxima semana.
Saludos



Cristián Santander Araya



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[CINE] SHAME (2011)

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Hola a todos.

Gracias por las críticas, comentarios y por las numerosas visitas que ha tenido este espacio en tan poco tiempo. No me lo esperaba. Unos días fuera de la cuidad y vuelvo y me encuentro con mas de 3000 vistas.
Gracias por eso.

Esta semana corresponde a una película reciente, provocadora, pero con un sentido del erotismo y el sexo que no habia visto nunca antes en lo que a cine se refiere. : el cuerpo como cárcel, la imposibilidad de escapar, la necesidad de conectar y  el terror de ceder.

SHAME     
                                                             
by Steve McQueen


Sexo, eso que tenemos entre las piernas. Pero sobre todo en la cabeza. Según Freud, el sexo está en nuestro pensamiento. No; dijo más: dijo que condiciona nuestros sentimientos. Sexo, eso tan divertido. A veces.

El filme de Steve Mcqueen es una brillante ilustración de cómo el sexo, algo tan humano, se convierte en una prisión de soledad para Brandon (Michael Fassbender) y es capaz de arrasar cualquier atisbo de humanidad en él.
Shame habla de la oscuridad del sexo intransitivo, de satisfacción inmediata; ese que, a lo sumo, queda a dos clics de internet. Un retrato más poético que narrativo de la miseria existencial de un hombre adicto al sexo.

El director no escatima en desnudos integrales ni duda tampoco en mostrarnos deliberadamente los atributos viriles de Fassbender (algo que ocurre de forma reiterada durante los primeros minutos de la película), logrando así romper con cualquier tabú que pudiera entorpecer el crudo y contundente retrato de un personaje adicto al sexo.

Fassbender transmite la tristeza, la culpabilidad, la pasión y la lascivia de su personaje a través de la mirada.


En otras ocasiones, sin embargo, la elegancia cobra protagonismo cuando el acto sexual no representa más que un pedazo de esa lujuria desatada que va desgarrando la consciencia de Brandon. McQueen opta por el juego de planos sugerentes y provocativos que nos muestran tanto el lado físico de la escena como el lado emocional, captando a la perfección el dolor que siente Brandon al comprobar por sí mismo de qué modo trata de suplir su insatisfacción.

Rara vez -¿alguna vez?– el sexo ha sido visitado como una autoflagelación, como una forma de evasión, de desconexión. Aquí la carne separa; no une. Brandon siempre está solo, oculto; simplemente no sabe conectar.
La segunda entrega cinematográfica del británico Steve McQueen retoma una capacidad de interpelación que el cine parecía haber perdido desde los tiempos de El último tango en París, American Gigolo o Buscando a Mr. Goodbar.

“Shame” cuenta la historia de un personaje completamente disociado entre la banalidad de sus experiencias eróticas y el completo vacío de su vida afectiva.


Recuerda y mucho a “American Psico”..pero el de el libro mas que el de la película. Este Brandon es el “Patrick Bateman” de libro "American Psico", mas que el que vimos en pantalla interpretado por Christian Bale. 

Michael Fassbender interpreta con bravura a Brandon, un ser escindido, adicto al sexo que vive en un departamento en Manhattan sin cortinas (una ciudad sin cortinas donde nadie espía porque quizás todos hacen lo mismo: estar solos) y trabaja en una compañía donde nunca sabemos bien qué hace. Su única preocupación es la de satisfacer su ansia: es un verdadero depredador que está dispuesto a cualquier cosa con lograr botar su energía y su rabia.
  
Brandon siente una adicción compulsiva hacia el sexo; apenas puede permanecer demasiado tiempo sin su dosis diaria de “descarga”, por lo que recurre de forma frecuente a encuentros sexuales con desconocidas, solicita los servicios de una profesional u opta por la masturbación con o sin estimulación previa. Para Brandon, el sexo es casi como respirar; es una necesidad que debe ser constantemente saciada.

Steve McQueen no busca que el espectador juzgue a Brandon sino que se mete en su cabeza. No busca incomodarnos sino adentrarnos en el submundo de perturbación y depravación de un hombre absorbido y devastado por su apetito sexual.

La precaria situación de armonía de Brandon cambia el día que en su departamento aparece su hermana Sissy (Carey Mulligan), una chica extremadamente vulnerable, devastadora e insuperable, una aspirante a cantante que desordena tanto el departamento como la vida de Brandon. Muy frágil en términos de equilibrio emocional, interesada en dedicarse al canto, pero que todavía pareciera no haber encontrado su lugar en el mundo.

Hasta la reaparición de la hermana, el protagonista -con su trabajo, con su departamento, con su neoyorkina funcionalidad- mal que mal puede sostener sin mayores dificultades la estantería de la vida que se ha construido. Pero con la intrusión de ella ya no. Adorable en una zona, detestable en otro, la hermana es una chica que va en caída libre y simplemente no se la puede consigo misma. Llegará entonces el momento en que Brandon no podrá eludir los incómodos dilemas ante los cuales ella lo va a colocar.

Su hermana es lo opuesto: necesita conectar y lo demuestra, aunque quizás su opción es aún más arriesgada y demente.

La irrupción de su atractiva y no menos promiscua hermana desbarajusta el estilo de vida de Brandon y trae consigo conflictos que de algún modo ansiaba haber dejado anclados en el pasado. Y es que su propia hermana despierta en él una tensión sexual que parece atormentarle desde tiempo atrás, lo que le invita a mantener un forzado distanciamiento con ella. La presencia de Sissy en su apartamento, su actitud despreocupada y desvergonzada, perturba la tranquilidad más o menos estable que Brandon había adquirido dentro de su invisible y oscuro mundo, y reaviva sentimientos desterrados en lo más profundo de su ser. Sissy se convierte en el peso de más que desequilibra su balanza interna.


En si, es una película muy poco “fashion”, a pesar de estar filmada en New York y en los lugar “fashion” de New York
Un ejemplo. El departamento de Brandon.
Cualquier director de arte hubiera soñado con un loft en medio de Manhattan de 700 metros cuadrados. Pero no. Ahí se nota lo no “fashion” del filme. El tipo vive en un departamento chico, de pasillos angostos, de espacios muy cerrados. Muy poco a la onda neoyorkina que se nos tiene acostumbrados Hollywood.

La cinta está muy anclada a la idea del sexo no como encuentro o comunión sino como experiencia de soledad y exclusión.

La banda sonora sirve de bastión para incidir en el componente emocional del relato. Además, McQueen opta por llevar la superficialidad de su protagonista a los no muy abundantes diálogos de ‘Shame’, donde únicamente hay una escena en la que éstos cobren una importancia capital, donde resulta un gran acierto apostar por un plano sostenido del cara a cara dramático entre los dos protagonistas. Por lo demás, los diálogos son un mero accesorio para llegar a su psique, donde lo dominante es el secretismo hacia su pasado y la superficialidad impuesta por su protagonista.

La cinta posee momentos únicos, incómodos, donde el pudor ingresa a la ecuación. Inolvidable es ver a Brandon correr y correr por las calles de noche, una escena silente pero que habla más que mil páginas de guión; o esa secuencia desgarradora cuando Sissy canta “New York, New York” en un bar de un hotel fashion. Pero en éste, donde el momento era celebratorio y lleno de vida, en Shame es lo inverso. Cada palabra adquiere un nuevo significado. El dolor y la pena, el pasado y su peso, hacen su aparición.



Es uno de los pocos momentos en que vemos de verdad desnudos a Brandon y a Sissy porque la desnudez aquí puede ser mucha, pero por mucho que muestren, nunca se muestran de verdad. El full frontal va por mostrar el alma y lo que hay entrampada en ella más que en los pechos y los genitales.

Shame se adentra en la autodestrucción y en la adicción que todos llevamos de alguna manera dentro. 

Shame no es una película apta para el grueso mayor del público, lejos de hacer del erotismo el germen de la misma, se convierte en algo terrible, horroroso, las escenas de sexo son horribles, terroríficamente atroces. La interpretación de este personaje derrotado por parte de Fassbender es de una exigencia física y emocional desgarradora, que lamentablemente, no se vio reflejada en ni siquiera una nominación en la pasada entrega de los premios Oscar de la Acadamia. Una vez mas queda claro lo conservadora y “cartucha” que es la Academia

En conclusión: un corto número de escenas muy largas sirven para presentarnos una situación y retratarnos a un par de personajes enfermos y atormentados. El sexo explícito no es gratuito, ya que obedece a la demostración de los estados de ánimo de los protagonistas. Pese a ese avance pausado, la película tiene un fuerte poder de atracción, que sumerge de forma casi hipnótica. El mayor mérito puede estar en dejárselo todo al espectador, quien contempla estos retazos sumido en las incógnitas y que será quien rellene todos los huecos de información que deja el guion para no caer en lo de siempre. Nos encontramos ante una película atrevida, pero no por el detalle que cualquiera señalaría en este sentido: la presencia aplastante de las escenas de sexo, sino por la propia naturaleza de la propuesta, más dada a la introspección psicológica que a la narración.


Y es que ‘Shame’ es una de esas extrañas y fascinantes películas que posee una peculiaridad que queda reservada para unas elegidas obras de arte: se queda merodeando en la cabeza, durante días, semanas si cabe, invitando a descifrar sus imágenes, a adentrarse en sus recovecos argumentales, a rellenar los huecos que McQueen sugiere intencionadamente, y a dejarnos llevar en la medida de lo posible por el torrente de emociones que en sí supone el film. Todas ellas alrededor de la vergüenza del título, una vergüenza que lleva al dolor, en un personaje abocado a sobrevivir sin vinculaciones emocionales que casi parecen impostadas en una sociedad consumista, fría, superficial y llena de prejuicios morales que apresan sin compasión a todo ser humano.


Imponiendo preguntas y negándose a responderlas, McQueen crea una pieza clínica, única, urgente, contemporánea, devastadora.

RECOMENDADÍSIMA.

Si no esta en la sala de cine mas cercana, valla a su tracker de torrent favorito, descárguela y véala. 
Es mas. Esta hasta en Cuevana,en el siguiente link.

                               ==>>   SHAME   <<==

No hay excusas para no verla.

Da para ir a tomarse un trago después de vela. Para conversar y comentar.

Espero que haya gustado este cometario.
Nos vemos la próxima semana.

Saludos

Cristián Santander Araya

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[CINE] DRIVE (2011)

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Hola.

Gracias por las críticas, comentarios y por las numerosas visitas que ha tenido este espacio en tan poco tiempo. No me canso de agradecer por eso.
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Su “me gusta” es mi sueldo.

Con la ultima critica todavía fresca, vamos con otra película reciente, que estuvo en la salas de cine hasta no mas de 2 semanas (al menos en Chile). Una gran película que no reventó la taquilla, pero que en un tiempo record se convertirá seguro en un film de culto.

Una película que por sus tintes de cine negro, por sus reminiscencias ochenteras, por recordarnos a grandes títulos de videojuegos y por hacer de una forma simple y conjugando varios géneros una muy buena película. Una película que es mejor de lo que pensarás que es.

DRIVE
by Nicolas Winding Ref



2011
Estados Unidos.

Dirección
Nicolas Winding Refn.

Guión
Hossein Amin, sobre el libro de James Sallis. 

Reparto
Ryan Gosling
Carey Mulligan
Bryan Cranston
Albert Brooks
Oscar Isaac
Christina Hendricks
Ron Perlman.





Hay películas que simplemente tienen algo, que gracias a ciertos aspectos narrativos o visuales o a una combinación de ambos, logran transmitir justamente lo que pretenden. No es tarea fácil y no todas lo consiguen, pero las hay que sí, que ya durante el primer minuto de su visionado se tiene la sensación de que se va a ver algo auténtico que nos hará palpitar en la butaca.

Y este es el caso de Drive.




Después de ver el anterior video, le puesto a que le dieron ganas de seguir leyendo...

La apertura de la película es totalmente cautivadora, un plano aéreo de una gran ciudad, una voz al teléfono y una música que te hace, cuando menos, vibrar.
El uso de aspectos de la “cultura pop” para reutilizar tópicos ya vistos es notable.: el sonido de Kavinsky o College no es pop ochentero New Wave sino un revival: una reproducción auto-consciente y que prolonga aquellos sonidos. En sus títulos de crédito, llega a su extremo: partiendo de un homenaje a ‘Risky Business’ (1983), llevando la película por una ruta insólita, a medias entre un Michael Mann deliberado (grandes panorámicas, héroe solitario) y con toques sutiles, artificiales, propios de, pongamos, Brian DePalma (atentos al breve plano secuencia del primer encuentro entre Gosling y Mulligan en el apartamento).
De hecho, no se me viene a la cabeza un solo plano que carezca de esa elegancia y gusto por la estética presente en todo el filme.

Hemos tenido que esperar hasta mediados de mayo de año (al menos en Chile) para poder disfrutar de uno de los títulos más potentes de 2011. Presentada en Cannes con nominación a la “Palma de Oro” y ganadora del “Premio al director”, “Drive” es un genuino producto de serie negra, plagado de referencias y guiños a otros mitos del género.
Es de esas películas que, desde el inicio, son puro ejercicio de estilo. Desde la escena que abre la película con una habitación a oscuras hasta el plano final, 'Drive' atrapa por su belleza y magnetismo.


“Hay como mil calles en la ciudad. Si me das el lugar y el momento, te daré una oportunidad de cinco minutos. Soy tuyo, sin importar lo que pase en esos cinco minutos. Pase lo que pase. Todo ocurre como lo planeo y después vas por tu cuenta. ¿Lo entiendes?”

Ryan Gosling habla por teléfono con un interlocutor desconocido, de espaldas a cámara, frente a una ventana en la que se proyecta una ciudad entera. Poco después le vemos encaminarse hacia el taller de su jefe, Bryan Cranston, donde elige un coche para ayudar a dos delincuentes a cometer un robo.

Gran plano general de la ciudad de Los Angeles y vemos a Gosling por el espejo retrovisor de un coche, ya conduciendo, camino al lugar del atraco.

Espera pacientemente a que los criminales salgan del almacén, impasible, a pesar de que ya se escuchan a lo lejos las sirenas de los coches patrulla. Tras un par de carreras y burlar con maestría dos coches de policía y un helicóptero, se dirige al aparcamiento de un estadio, aparca y sale tranquilamente del coche. Se encasqueta una gorra del equipo ganador y se dirige a la salida mezclándose con la multitud que grita entusiasmada el nombre del equipo ganador.

Lo que acabo de relatar es el el prólogo de Drive.

Un golpe certero directo a la retina. Abrupto, emocionante, prometedor. Diez minutos contundentes en los que contienes la respiración para no perderte nada. Un cañonazo que avisa que esto comenzó, momento justo en que entran los créditos de la película (tremendamente ochenteros, con tipografía holografiada neón rosa, mientras suena "Nightcall" de Kavinsky), y en donde al  espectador, no le queda más remedio que quedarse en la butaca a la espera de lo que todavía queda por ver. Diez minutos en los que te alegras pensando que todavía tienes una hora y media de función por delante. 


Winding Refn utiliza todo un arsenal de imágenes, planos cortados, aroma vintage, luces y sobre todo la cara sin expresión pero contundente de Ryan Gosling.

Ryan Gosling da vida a un conductor sin nombre. Un tipo frío y calculador. Cara de buen chico y mirada bucólica que se pierde muchas veces a través de una ventana, sin mirar nada. Esperando alguien que jamás vendrá. Por el día se gana la vida en un taller y eventualmente como especialistas en escenas de acción de películas. Algunas noches vende su maestría al volante a todo tipo de delincuentes. Convirtiéndose por sólo cinco minutos en el conductor, en la vía de escape, en la huida

Su vida en L.A. parece cómoda, pero todo cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan) en el ascensor del bloque de apartamentos donde residen (ojo a lo diferente que son las dos escenas en el ascensor). El conductor empieza a pasar tiempo con ella y su hijo, creándose un vínculo entre los tres (lo rápido que conecta con el pequeño hace intuir su problemática infancia); La química realmente parecer fluir entre los dos, ayudando a crear una bonita historia de amor tierna y sensible, en su propio micro universo, ajenos a la violencia y la crueldad del mundo que les rodea. Los gestos, las miradas, cada detalle no pasa desapercibido y ayuda a construir una tragedia verosímil, con fuerza. Representan a dos almas que luchan por sobrevivir y  escapar de la fatalidad a la que parecen estar condenados.


Pero entonces el marido de la joven, Standard (Oscar Isaac), sale de la cárcel y retoma el contacto con su familia, y con este nuevo “amigo de la familia. Es interesante que, cuando a partir de aquí lo usual sería que se explotara la tensión entre los dos hombres (en el primer encuentro entre ambos saltan chispas), lo que ocurre es que el protagonista acepta su lugar y se convierte en una especie de protector de la familia. Cuando Standard le confiesa que tiene que formar parte de un peligroso robo para saldar sus deudas, el conductor decide ayudarle. Y da comienzo la espiral de violencia…

La película también, combina a la perfección una historia de amor, que se va desarrollando de manera coherente, con la salvaje delincuencia que destila la ciudad de Los Ángeles. El deleite visual viene de la mano de su simplicidad, sus escenas secas y directas, sin necesidad de “florcitas” para impresionar al espectador pero cargadas de una violencia de la que no se avergüenza. Una película en la que cada plano está escrupulosamente pensado y ejecutado, llenos de detalles y en los que la cámara se queda fija en numerosas ocasiones, contribuyendo a enmarcar el particular estilo de Winding Refn. Y además, es capaz de manejar bien el cambio de ritmo hacia la mitad de la película, en la que se centra más en las relaciones entre los personajes sin por ello perder la atención que la intriga del comienzo nos había provocado.

‘Drive’ es un vehículo de escenas impactantes, fotografía, música y unos silencios interminables que conforman una de las mejores cintas del 2011.

Gosling ofrece una interpretación extremadamente magnética, siendo capaz de transmitir distintos sentimientos con solo mover un músculo de la cara. Se pone en la piel de un conductor enigmático y reservado, de naturaleza solitaria y sin conciencia, como el escorpión de su chaqueta. Como el héroe de un western, que intuye que le queda poco pero no duda en avanzar con paso firme y luchar hasta el final a pesar de vislumbrar la muerte claramente en la línea del horizonte. Un hombre que no quiere problemas pero que buscará venganza y se convertirá en el ángel de la guarda de su vecina de apartamento. Tan vengativo como Charles Bronson. De mirada carismática como Steve McQueen. Convirtiéndose en icono, por su forma de ser y de vestir (palillo en la boca, chaqueta con escorpión el la espalda,) por su pose y su temple.

Nicolas Winding Refn logra convertir la crudeza de las escenas más violentas en belleza visual.

Ryan Gosling hace un trabajo perfecto, al que no se le puede reprochar absolutamente nada, conformando un personaje enigmático que se vale casi únicamente de la mirada para hablar, enmarcada ésta en los numerosos planos del espejo retrovisor en los que se ve reflejada y cuya chaqueta con un escorpión a la espalda ya ha pasado a convertirse en un auténtico icono. La diversidad de registros del actor queda demostrada una vez más, incluso dentro de la propia película es capaz de ser tierno y extremadamente violento, lo que llena de matices su interpretación y al personaje que retrata.


En cuanto a su compañera de reparto, nos encontramos a una Carey Mulligan que transmite al mismo tiempo fuerza e inocencia, que esconde detrás de su candidez una vida dura y un matrimonio difícil y cuya química con Gosling es absolutamente fantástica, desde su primera escena juntos, en la que todo son miradas, tímidos gestos y algo de incomodidad, y que se mantiene a lo largo del metraje consiguiendo establecer una atractiva relación entre ambos.


El film cuenta, además, con grandes secundarios interpretados por el siempre solvente Bryan Cranstony por la pareja de delincuentes formada por Ron Perlman y por un Albert Brooks que clava un rol de mafioso que es capaz de helarte la sangre con su imprevisibilidad.

Refn logra dotar a sus imágenes de una intensidad incendiaria e imperecedera, capaz de concentrar en un solo gesto de un solo plano de una sola secuencia, el verdadero sentido de la película.

La dirección impecable de Nicolas Winding Refn, es concisa y directa, con una inquietante puesta en escena y completada con una banda sonora que merece una mención aparte y no sólo por la buena composición musical de Cliff Martínez, a través de la que se respira tensión y que te mete de lleno en la trama, sino por temas musicales como “A Real Hero” de College ft. Electric Youth o“Nightcall” de Kavinsky, que se incrustarán en tu cabeza y hacen fascinantes las secuencias a las que acompañan.

clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!clap!!
       
        la bellísima secuencia del ascensor en la que la acción se detiene para un estallido-vals de violencia en el que se ponen a prueba nuestras propias expectativas sobre la realidad de la película.



Los momentos de acción son los justos. Los necesarios para la historia pero sin alargarlos hasta el tedio, intercalados con algunos “flahsbacks” de aparente tranquilidad. Con efectos visuales básicos pero con encuadres magníficos. Con acción lenta pero inteligente. Utilizando juegos de luces en estas escenas y saltando de momento romanticismo a momento brutalidad con gran precisión.

En definitiva.

Drive es una historia de amor, es la memoria de una venganza, es la crónica de una muerte lenta y anunciada. Las emociones en esta película emanan a borbotones, como la sangre de un moribundo, como los sentimientos profundos que ya no se pueden disimular por más tiempo. Todo discurre a la perfección bajo la batuta del director quien nos guía a través de una historia bien hilada que combina acertadamente arranques de violencia con ternura. Muestra un dominio admirable de la acción frente al intimismo.
Una atmósfera adecuada a cuyo resultado final también contribuye en gran medida Cliff Martinez, con una banda sonora para recordar. La banda sonora es sublime. Bien escogida, muy ochentera, en perfecta armonía con el tono de la película y ubicada en las escenas adecuadas. Creando maravillosas secuencias ralentizadas que sin diálogos lo dirán todo. Como los mejores videoclips.

Se puede afirmar que Drive es tan inclasificable como el propio Alejandro Jodorowsky, director al que Nicolas Winding le ha dedicado esta película.

Winding Refn orquesta con tanta parsimonia como contundencia los sucesos de un thriller que por lo demás, resulta una película inclasificable, que provoca sensaciones encontradas hasta llegar al entusiasmo. Y lo hace con una labor de puesta en escena simplemente apabullante, que engloba desde la fotografía de hasta la banda sonora de Cliff Martínez.

Cada plano me recordó a la meticulosidad del mejor David Fincher, su uso del sonido, o de la ausencia de él, está dirigido a impactar al personal sin nunca perder la sutileza de la imagen.

Aplaudo la labor del director de la película y del director de fotografía, así como la logradísima atmósfera y la ambientación general, a caballo entre varias décadas, que, además de gracias a los trabajos de estas dos personas mencionadas, se logra por obra de un buen diseño de producción y gracias a la elección de la música y los sonidos.

En definitiva, una cinta que se ama o se odia pero también, indiscutiblemente, uno de los mejores trabajos cinematográficos de los últimos años.

Veala si o si.
Dudo mucho que este en alguna sala de cine a estas alturas (al menos en Chile).
Por lo mismo, búsquela en su buscador de torrent favorito y descarguela.
Sino cómprela.
Pero véala y disfrútela.


Antes que lo olvide.
Descargue esa banda sonora. Búsquela en google y disfrute de ella. Una maravilla moderna. Les dejo una muestra con los 2 temas que sinceramente me encantaron, que llegaron para quedarse en mi lista de favoritos.





Que estén muy bien
Nos leemos pronto.

Saludos
Cristián Santander Araya

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[MUSICA] [SOUNDTRACK] THE DARK KNIGHT RISES (OST) (Descarga) (2012)

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THE DARK KNIGHT RISES
ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK


TRACKLIST

Music composed by Hans Zimmer

1. A Storm Is Coming
2. On Thin Ice
3. Gotham's Reckoning
4. Mind If I Cut In?
5. Underground Army
6. Born in Darkness
7. The Fire Rises
8. Nothing Out There
9. Despair
10. Fear Will Find You
11. Why Do We Fall?
12. Death By Exile
13. Imagine the Fire
14. Necessary Evil
15. Rise
16. Bombers Over Ibiza (Junkie XL Remix)
17. The Shadows Betray You
18. The End




Saludos

Cristián Santander Araya
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[CINE] HARD EIGHT (1996)

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Hola  a todos.

Les presento a PT Anderson. Cineasta. Estadounidense.
No es un tipo nuevo.
En este espacio ya hablamos de el, cuando hicimos una reseña a su quizás obra mas recordada, “Magnolia”.
PT Anderson. Mi cineasta favorito de su generación.
Hoy corresponde “Hard Eight” su primer film y es quizás donde se encuentren algunos de los núcleos que más adelante en su filmografía habrían de desplegarse.

HARD EIGHT
A film by Paul Thomas Anderson 


Director
Paul Thomas Anderson.

Guión
Paul Thomas Anderson.

Intérpretes
Philip Seymour HoffmanYoung Craps Player

Música
Jon Brion, Michael Penn.

Fotografía
Robert Elswitt.

EEUU. 1996. 100 minutos.


La primera película de PT Anderson es, ciertamente, no tan deslumbrante ni compleja como Magnolia, ni tampoco tiene los delicados ambientes de Punch Drunk Love, ni los travellings de Boogie Nights, y tampoco logra el éxtasis de There Will Be Blood.
Pero sí tiene un poco de todos los elementos anteriores

Anderson es consecuente consigo mismo, mantiene su estilo y lo mejora. Al fin y al cabo esa es la base para ser único y la razón también de que exista el adjetivo “cine de autor”

En “Hard Eight” todos los personajes están desesperados y desolados. Cuando Sidney los reúne estos se aferran como si estuvieran a punto de caer desde un avión.
John( es un hombre que ha perdido todo su dinero en Las Vegas y que se encuentra desamparado afuera de un diner. Sidney se le aparece y tendiéndole una mano aparentemente desinteresada, lo ayuda a recuperar el dinero a través de una serie de artimañas en casinos. Eventualmente, la caridad de Sidney habrá de revelarse no como un hecho espontáneo, sino como un intento por liberarse de la culpa de un pasado oscuro.

Claramente es un suceso extraño para comenzar y más aún cuando está el dinero, el casino, las armas y las mujeres entre medio. La conexión que se crea entre John y Sidney es tal que al ver la película esperaba que en cualquier momento el guión quedara dado vuelta. Pero eso no pasa; lo que pasa es que hay nuevos datos sobre la vida anterior a su encuentro, pero nada sobre malignas intenciones ocultas.

El filme avanza y se nos presenta a Clemetine, que es una mesera de un casino en Reno (Nevada, USA) que viste al viejo estilo “conejita playboy” que tiene uno y mil dramas, pero que con el viejo Sydney genera una conexión distinta que con el resto.

Hay una escena que es punto de inflexión dentro de la película. Sydney esta comiendo con Clementine en una charla parecida a la que tuvo con John al inicio de la película, y que de hecho tiene el mismo fin. Cuando Clementine le pregunta si tiene hijos, Sidney le explica que ya no habla con ellos pero que tenían una edad parecida a la de ella y John. Pasan unos segundos y se escucha a alguien que grita ¡FUCK! en una de las mesas contiguas a la vez que la cámara se mueve, rápidamente, hacia donde estaba el tipo que se levanta indignado y con estrépito de la mesa. 
La cámara vuelve, Clementine perpleja, y se cambia la escena.

¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!! ¡¡CLAP!!

Más adelante Sidney logra juntar a Clementine y John. A John le gustaba Clementine, y Sidney tiene una deuda con él en su conciencia. Segundo, Sidney está intentando reconstruir de alguna forma la familia que en algún momento tuvo.

La falta de conocimiento es una de las gracias de la película.

Poco  y nada sabemos sobre el Sidney de antes de entrar a la cafetería, su aura misteriosa nos hace prestar mayor atención a cualquier dato que por accidente caiga.

El plan y las motivaciones de Sidney es el meollo de la película

Después de esa escena en el hotel en que Sydney reúne a Clementine y John, todo se va a la mierda. Salen juntos una tarde y arruinan todo lo que Sydney había armado desde ese punto hacia atrás. Esa misma tarde también a Sidney lo atormenta un fantasma del pasado: pierde 2mil dólares apostando al Hard Eight.


La familia es una sola;
Una sola que hay que cuidar, y una vez que esta se rompe entonces no puedes intentar recuperarla rescatando gente en las calles y casinos.

Quizás para PT Anderson no existe la redención, quizás por eso las dos escenas finales. Quizás ser consecuente es la única forma de conseguir tus metas, así como Anderson lo ha sido en sus películas, así como Sidney le ganó al casino.

Hard Eight por tratarse de una película que explora el mundo del juego, además de las luces que integran el ambiente del casino, en las calles también es posible notarlas. Hay varios encuadres con grandes letreros luminosos que terminan por dar esa estética como si la vida de todos sus personajes se apostara en las calles de un gran casino urbano.

Pero su estructura circular (el film termina en el mismo espacio y en las mismas condiciones en las que empezó) no se argumenta como fatalidad de la historia, sino que se construye justamente en relación a esa voluntad, a ese deseo del protagonista. 
A ese “porque lo quise así” que se manifiesta en el nuevo asesinato que Sidney habrá de cometer, apesar de que la nueva acción lo arroje otra vez al estado de culpabilidad inicial. Retorno que se metaforiza en las manchas de sangre que sobre el final del film, Sidney habrá de ocultar.

Véala. No se arrepentirá.

Nos leemos pronto
Comente.
Saludos.

Cristián Santander Araya
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[MISCELANEO] LAS HEROINAS DE LA COMIC-CON 2012

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La Comic-Con 2012 paso hace unos dias y 
entre ñoños y cómics, algunas mujeres destacaron por su creatividad y sí, también por verse muy bien. 

Aquí una selección de fotos. 
Fotos: Agencias 



































































¿Cual fue tu favorita?
Comenta y difunde
Saludos




Cristián Santander Araya
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[MISCELANEO] STANLEY KUBRICK FOREVER

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STANLEY KUBRICK

Nueva York, Estados Unidos, 26.07.1928 – Harpenden, Hertfordshire, Reino Unido, 7.03.1999














































































Cristián Santander Araya
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[MUSICA] THE ROLLING STONES - EXILE ON THE MAIN STREET (1972)

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THE ROLLING STONES

Cuando 50 años parecen poco….


Lo queramos admitir o no, todos nosotros escogemos un desahogo de la miseria cotidiana que puede llegar a ser la vida. Ya sea un arte, un deporte o simplemente un vicio. Y mi mayor vicio es la música. Pensar en cuantas horas y billetes he gastado en música, discos, vinilos, libros, y por supuesto conciertos, es algo que prefiero evitar: creo que me asustaría descubrir la verdad.

Si uno tiene por vicio la música, lo normal es que no sólo tenga un grupo, compositor, intérprete, género, estilo o periodo favorito. También es mi caso. Mi banda favorita sin pensarlo dos veces es PINK FLOYD.

Pero por otro lado tengo otra gran banda como favorita. Creo que es mi segundo amor después de los “floyds”.

THE ROLLING STONES

Hace pocos días (específicamente el 12 de julio), mis amigos cumplieron 50 años como banda, convirtiéndose en el grupo mas longevo de la historia.
Es por estoy por mucho mas es que me decido a escribir estas palabras a modo de reconocimiento para la “banda mas grande de rock and roll de la historia”.

Son mis héroes. La forma en como se conocieron, la forma en que partieron, como fueron sus inicios como banda, la capacidad de sobrevivir a uno y mil problemas y, por supuesto como fueron creadores de la música que tanto los caracteriza hasta el día de hoy.
Es por eso que me anime a escribir a modo de homenaje por las bodas de oro y presentarles un disco en especial, el que para la crítica y para mi también, me parece el mejor disco de su carrera. El pináculo creativo después de varios años como banda.

EXILE ON THE MAIN STREET.

Su L.P. doble de 1972.
Mi disco favorito.


Si recordamos cuándo, cómo y por quién se grabó, entonces hay que decir que pocas veces se ha acertado tanto con el título de un disco: este es la obra de unos músicos exiliados de algo más que los altos impuestos británicos, y en otro lugar que no era realmente la Costa Azul Francesa.

Los STONES estaban exiliados y encerrados en sus lujosas mansiones, en los mejores hoteles, de espaldas al mundo, imbuidos en su desquiciado y decadente modo de vida.

Con Keith Richards perdido en sus drogas y obsesiones musicales, con Mick Jagger disfrutando de su ingreso en la High Society internacional de la mano de su esposa Bianca Pérez, y con Charlie Watts y Bill Wyman frecuentemente ausentes de las sesiones, y un Mick Taylor recién llegado a la banda, el grupo construyo su obra maestra, su cumbre artística, sin casi darse cuenta

Los STONES llegaron a la Riviera francesa en el año 1972, con el viento del éxito reciente de "Sticky Fingers", pero a la vez huyendo de la presión de las autoridades fiscales británicas. Después de localizar cada Stone su respectiva mansión en la privilegiada zona de la costa azul francesa, el grupo decide que Villa Nellcôte, la mansión del matrimonio Keith Richards-Anita Pallemberg, se convierta en el centro de operaciones.
Los estudios de grabación se improvisaron en los sótanos y, de hecho, en cualquier habitación de aquella casa poblada de amigos de dudosa reputación. Porque, en realidad, la vida en Villa Nellcôte incluía de un modo casi accidental la grabación y composición de canciones, que era más bien parte de un estilo de vida que incluía todo el sexo y las drogas que se pudiese concebir.
Pero la cruda realidad es que la situación interna del grupo durante la grabación de "Exile On Main Street" comenzaba a ser preocupante, sobre todo en lo referente al estado de salud de Keith Richards. Richards estaba tan enganchado a la heroína que por momentos parecía en ocasiones el Brian Jones de su peor época, acompañado en su descenso a los infiernos por Anita Pallemberg. A pesar de su estado físico y mental, Richards se adueñó del disco y de su proceso creativo para llevarlo a su terreno. A fin de cuentas aquel desmadre era, y lo seguirá siendo hasta que se muera, el hábitat natural de Richards.

Por eso y pese a todo ese abandono y desenfreno (o tal vez debido a ello) "Exile On Main Street" terminó convirtiéndose en una obra repleta de una vitalidad desbordante y contagiosa que lo recorre de principio a fin. Desde el comienzo el "OH Yeah!" que acompaña a los primeros acordes de "Rocks Off" te avisa lo que se viene,  antes de que el redoble de la batería de Charlie Watts te invite a un irresistible "tour". Un viaje que pasará por la desafinada voz de Richards entonando ese himno definitivo a la mala vida que es "Happy", y que culminará en el siempre lamentado final del disco, en "Soul Survivor".

En el disco explorará toda esa música que tanto fascinó a Richards y Jagger en la adolescencia y que, finalmente, termino salvado sus vidas para siempre de la gris mediocridad que les correspondía por origen, del mismo modo que alivia momentáneamente de ella a algunos de nosotros.

"Exile On Main St" es un disco tan emocionante que, por momentos desarrolla las virtudes espiritualmente curativas del mejor Gospel.

Por ejemplo en ese luminoso momento de "Shine A Light" en el que Mick canta aquello de "When you´re drunk... in the alley, baby,... with your clothes all torned....", con precisas pausas son punteadas por golpes de batería que parecen más los latidos que te mantienen vivo que un sonido surgido de los altavoces de tu equipo de sonido. O como el solo de saxo de Bobby Keys en "Sweet Virginia", o las guitarras dobles de "Tumbling Dice", o la manera de mezclarse las voces y la "steel Guitar" en "Torn And Frayed", o la entrada del piano y los coros en "Loving Cup".... 

Por eso aquí no hay ni country, ni folk, ni soul, ni gospel, ni siquiera blues en sus formas más puras: el Rock´n´Roll es desarmando en sus elementos constituyentes y vuelto a ensamblar, sonando de este modo más antiguo y eterno.
Este truco, esta mentira, nos engaña también a nosotros, pues no somos pocos los que consideramos a éste, tal vez, como el mejor disco de Rock´n´Roll jamás grabado.

Como cantan en "Torn And Frayed""Mientras suene la guitarra, deja que te robe el corazón", todavía estoy esperando que esa guitarra me devuelva el mío. Pero creo que no lo hará nunca.

Fue un placer como siempre

Lectura recomendada antes de despedirme: LIFE, de Keith Richards (Autobiografía), desde donde saque muchos de los datos incluidos en la reseña.

Nos leemos pronto

Saludos

Cristián Santander Araya
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[MUSICA] FITO PAEZ - EL AMOR DESPUES DEL AMOR

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FITO PAEZ
EL AMOR DEPUES DEL AMOR
(1992) 


Hace unos dias atras estuve de cumpleaños.
No se si es normal, pero ya hace varios años que los cumpleaños no me entusiasman como antes.
A pesar de mi poco entusiasmo en la fecha, mis amigos me tenían una grata sorpresa.
Aparte de una bella mini-fiesta, me tenian un disco de Fito Páez.

No precisamente el que a continuación les presento. 
Este era una antologia, dentro del cual muchos temas pertenecían al disco que a continuación les presento.
La reseña que les presento no es nueva.
La escribí hace tiempo para un desaparecido blog, pero este regalo de mis amigos me hizo sacarla de los archivos y presentarla nuevamente en sociedad.

Espero que les guste.

Dedicada a mis amigos, mis verdaderos amigos, esos que jamas olvidaré.

Fue el primer disco de Fito que escuché, en aquellos años en que se prestaban cassetes. Me sacó de otros estilos y marcó la para conocer músicos argentinos que para mi eran desconocidos. Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Soda Stereo, llegaron a mi gracias a Fito. Es de los discos más vendidos de la historia de ese país con 14 pistas simplemente espectaculares, que para mi convierten al disco en el mejor de la carrera de Páez.

Marcó un antes y un después en la carrera de Fito también. Nunca volvió a hacer un disco como éste. Quizás así es la cosa, las buenas ideas duran mientras uno tiene cierta vida, y se pierden con esos giros radicales que nos tiene preparado el destino.

He escuchado este disco en muchos momentos, y entiendo a quienes dicen que a veces Fito Páez parece que cantara demasiadas cosas sin sentido. Es un disco escrito durante la separación con Fabiana Cantilo y el comienzo de la relación con Cecilia Roth. Es lo que podríamos llamar un disco de entreguerras. 
El disco se arma como una sutil mezcla de canciones por un lado llenas de alegría, libertad y frescura, pero sin dejar de lado una oscuridad y una nostalgia que se avizoran complicadas de olvidar. Ofrece esperanza pero no de manera gratuita, sino que hay que trabajar para ganársela.
No intenten entenderme, sé que es complicado.

La cosa es que para Rodar la vida tiene que haber un proceso que parte por El amor después del amor, sigue en Dos Días en la vida, se atreve con Tumbas de la Gloria y renace con Creo. Es a la vez un disco lleno de contribuciones, Charly, Calamaro, Mercedes Soza, Cerati, Spinetta, y también, a diferencia de los discos anteriores de Fito, muy cargado a los coros.
Al parecer hay etapas de la vida que no es bueno pasar tan solo.
Estoy ciertamente sobreinterpretando, pero es curioso que tras veinte años un disco cobre tanto sentido, y temas como La Verónica o La Rueda Magica pasen de ser sólo bellas melodías a manifiestos de independencia, relaciones o soledad.

Creo que el disco habla por sobre todo de conocerse y aceptarse, para bien o para mal. De entenderse, de pararse con los dos pies en el mundo, con las convicciones adquiridas pero abierto a lo que el mundo tenga que ofrecer.
Después de todo, Fito lo escribió a los 29 o 30 años.




Si no lo han escuchado, corran por este disco.

Entero, de principio a fin.
Vale la pena.

Nos leemos pronto

Saludos


Cristián Santander Araya
Twitter: @csantandera
Facebook: csantandera

[MISCELANEO] SECRET ORIGIN: THE STORY OF DC COMICS

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El documental que presenta extractos de los cómics, las películas y series de televisión basadas en licencias de DC Comics.

Intervienen algunos de los creadores más influyentes de la historia del cómic y editores, entre ellos Neal Adams, Karen Berger, Mike Carlin, Dan DiDio, Neil Gaiman, Geoff Johns, Jim Lee, Paul Levitz, Dwayne McDuffie, Grant Morrison, Dennis O’Neil, Louise Simonson, Waid Marcos, Len Wein y Marv Wolfman.

Año: 2010
Duración: 90 Minutos
Audio: Inglés
Subtitulos: Español


Cristián Santander Araya

[CINE] [MISCELANEO] KUBRICK / / ONE-POINT PERSPECTIVE

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KUBRICK / / ONE-POINT PERSPECTIVE

Recopilación de planos con perspectiva frontal y simétrica a lo largo de toda la filmografía de Stanley Kubrick.

Tan matemáticamente idénticos que asusta.



Si hay alguien que venga inmediatamente a la cabeza al pensar en directores de cine obsesionados con la imagen y hasta el más pequeño aspecto visual de sus películas, ése es Stanley Kubrick. El cineasta neoyorquino se ganó una merecida fama de perfeccionista (rozando la patología) a lo largo de su carrera, algo que se podía constatar de forma sencilla al ver cualquiera de sus grandes películas. 

Tal nivel de detallismo permite la existencia de vídeos como el de Kogonada, donde el autor ha recopilado planos con perspectiva frontal con un único punto de fuga central procedentes de gran parte de la filmografía de Kubrick, desde Senderos de gloria hasta Eyes Wide Shut, pasando por Barry Lyndon, 2001: Una odisea del espacio, La naranja mecánica, El resplandor o el resultado al ver combinados todos estos planos frontales, simétricos, inmensos y monolíticos es tan fascinante como desasosegantemente homogéneo, lo que puede dar una idea de la intrincada mente del cineasta.

No mas palabras

En el siguiente link el esperado video.




Saludos

Cristián Santander Araya
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